ONDA CERO "El Freaknéfilo"

NUEVO BLOG

2011-03-27T11:19:00.000-07:00

Tras largos meses en vía muerta, cierro este blog y abro otro. Esta es la nueva dirección: www.elfriknefilo.blogspot.com Besicos para todos.

De ricos y pobres

2010-05-17T12:24:00.000-07:00

Robaba a los ricos y repartía el botín entre los pobres. Ridley Scott termina su último trabajo cinematográfico donde comenzaban sus piruetas Errol Flynn o Kevin Costner. Quizás no le interese la acción y el espectáculo gratuitos, sino la justificación del mito: el poder siempre traiciona al oprimido y tan solo queda rebelarse.

Scott, director siempre sagaz e inteligente, habla, tal que lo hiciera en Gladiator, de aquella lejana época, invitando al espectador a adivinar las evidentes relaciones con ésta. El mundo siempre es el mundo, antes y ahora, plagado de gangsters (más o menos americanos o más o menos romanos) de traje y corbata o que visten toga viril. Dentro de cualquiera de nosotros puede incluso anidar un rabioso alien, cuyas fatales consecuencias nos inviten a comportarnos cual Hannibal Lecter lo hace frente a la mediocridad de una sociedad corrupta (ética y estéticamente).

Observen a su alrededor. Juzguen la situación y díganme si no dan ganas de tomar el arco y la flecha.

¡Qué bonito que se ve!

2010-05-03T11:09:00.000-07:00

Arruirnarse. Es el inconveniente de las nuevas tecnologías, que se unen a mi búsqueda de una experiencia audiovisual que toque el cielo de la perfección. Poco a poco, me voy enganchando a la cosa esta del Blue Ray. El problema no es el sistema en sí, sino la paulatina debilitación de mi economía, porque, naturalmente, no es lo mismo pagar quince euretes (y no digamos nada de las tremendas ofertas que encontramos en DVD) que los treinta de rigor que suele costar una novedad en el nuevo formato. ¡Pero qué bonito que se ve!

Todo comenzó como experimento, comprando una peliculilla en Blue Ray, Spiderman 3, que encontré de oferta, para ver qué tal funcionaba un reproductor que tenía por casa. Me sorprendió gratamente. Pensaba que no habría excensiva diferencia respecto al DVD, pero, ¡caramba! El caso es que, hoy por hoy, pico constantemente, en cualquier superficie comercial, tan solo por lo bien que se ven esas películas que incluso ya he disfrutado en cine y en DVD. Por ejemplo, El caballero oscuro, que la vi en cine cuando se estrenó, que la compré en DVD y que ahora he vuelto a adquirir en Blue Ray, apreciándolo todo con un nivel de detalle exquisito, con unos contrastes cromáticos sensacionales y con una profundidad de campo asombrosa. Lo del Blue Ray es hacer que lo mismo parezca nuevo y diferente.

Imagino, pero tan solo es una hipótesis, que las películas más actuales se verán mejor, dado que este formato no superará la calidad del fotograma original. La más antigua que he visto es el Drácula de Coppola y, aunque nunca la había disfrutado con ese nivel de detalle, no me dejó tan impactado como Spiderman 3 o El caballero osuro.

Aunque en este blog creo que nunca lo he hecho, la calidad de la proyección ha sido un tema que, incluso por cuestiones profesionales que no viene al caso traer a colación, siempre me ha interesado. Muchos cines dejan bastante que desear (oscilaciones en la lámpara de proyección, desenfoques, defectos en el fotograma), si bien la proyeción digital (a la que uno también se malacostumbra) está paliando bastante el problema. Si tuviera que quedarme con dos de las proyecciones más bonitas a las que he asistido elegiría la versión digital del Blade Runner de Ridley Scott y la proyección, digital y en 3D, de San Valentín sangriento, que me dejó mucho más perplejo (y no por la calidad de la película precisamente) que Avatar.

Cuando, hace años, el DVD apareció, me engatusó su tremenda calidad, pensando que ya no se conseguiría una mejor definición. La pregunta que ahora me hago es: ¿sacarán algún formato que supere la calidad del Blue Ray? Y yo que empecé con un Cine Exín...

Furia de titanes

2010-04-21T11:35:00.000-07:00

¡Qué bonita la versión antigua! Dirección de Desmond Davis, que consigue planos fabulosos, que vistos a fecha de hoy parecen antiguos pergaminos llenos de encanto. Aquel tramo en el que Perseo cruzaba la laguna Estigia para enfrentarse con la Medusa, previo insólito combate con el Cancerbero. ¡Qué gran momento de cine! Ray Harrihausen hizo uno de sus memorables trabajos, contribuyendo a lograr una fantasía mitológica que me dejó fascinado cuando acudí de niño al cine Fleta (que, para los que no lo sepan, era uno de los cines, hoy ya derribado, más gigantescos de Zaragoza).

Del "remake" de Louis Terrier se han dicho muchas cosas (buenas y malas), pero quiero ser muy claro al advertir que la copia en 3D tan solo desata la furia del espetador, pues se ve muy mal. ¿Se imaginan que compran un jamón y les sale agusanado? ¿A qué lo cambiarían? Pues lo mismo habría que hacer con la entrada (más cara por ser en 3D) de esta película. Los fondos en planos oscuros están totalmente difuminados y se advierten unas terribles manchas en los rostros de los actores. Es decir, que uno paga (lo que siempre debe hacerse para cumplir con los parámetros legales establecidos) por disfrutar de una película que no cumple los mínimos parametros de calidad de proyección. Una pequeña estafa.

De verdad. La versión antigua es más maja, y además la acaban de editar en Blue Ray (la repipa). Así que mejor volver a comprarla (los que la tuvierais en DVD) y volver a verla con una calidad que ni cuando se estrenó en salas comerciales por vez primera.

A vueltas con...

2010-04-13T11:15:00.000-07:00

...Dario Argento. Yo a la mía, con mis directores favoritos. Ya he conseguido ver la última película del creador de Rojo oscuro, Suspiria e Inferno (tres obras maestras que nadie debería perderse). De acuerdo, Giallo no está a la altura de otras de sus arriesgadas propuestas, pero me sigue pareciendo un bocado de buen cine. Desde hace tiempo que Argento ha abandonado aquel barroquismo que le caracterizaba. Ahora es mucho más contenido, rápido en sus planteamientos y raudo en sus resoluciones: eficacia y ritmo antes que atmósfera y preciosismo. Pero sigue siendo él. Quizás por problemas de producción (se nota que sus películas más recientes no son tan caras como las de su etapa dorada), Argento opta por el minimalismo, la sencillez, la contención; pero de esa cura de humildad estética surge un elegante estilo de maestro reinventado.

Giallo la protagonizan Adrien Brody y Elsa Pataky (a la que el malo le hace alguna que otra barrabasada), aunque Emmanuelle Seigner lleva casi todo el peso femenino. Uno encuentra lo que espera ver en una película de Argento (con referencias explícitas a su propio universo cinematográico) pero, al mismo tiempo, descubre todo lo contrario (y no quiero desvelar nada). Tan solo dura noventa minutos, por lo que casi no queda tiempo para pestañear. Atención a la resolución de la película. La mayoría diréis que es horrenda y absurda, pero a mí me ha parecido magistral.

En resumidas cuentas. Creo que el cine de hoy nos tiene mal acostumbrados. Todo tiene que ser grandilocuente, muy elaborado, largo, "avatariense". Muy bien, muy bien, pues yo me quedo con mi Argento y su Giallo que, como viene siendo habitual, ni se ha estrenado ni se estrenará.

The road

2010-02-08T06:10:00.000-08:00

Desolación. Desesperación. Desesperanza. Creo que cualquiera de estas tres palabras definirían de manera rápida y acertada la sensación que desprende The road. No estamos ante una película de aventurillas postacocalípticas; The road más bien muestra que la civilización es un fantasía efímera y débil que sólo puede tener lugar al darse las condiciones adecuadas. Cuando el hombre está a solas y cuando al hombre le falta todo, todo, puede llegar a transformarse en esa besia caníbal para la que los conceptos de bien y mal tan solo son eso, conceptos.

The road: poética justificación de la maldad, belleza decadente para una emotiva y desgarradora película de sórdida hermosura.

Conmovedor el expresivo rostro de Viggo Mortensen durante todo el metraje. Preciosa la escena de la separación de los dos protagonistas adultos, con Charlize Theron perdiéndose en la oscuridad. ¡Qué bien que fotografía Javier Aguirresarobe!

¡Qué bonitos!

2010-02-03T07:43:00.000-08:00

¡Qué bonitos los Oscars! Siempre me ha gustado el glamour que se monta en Hollywood, y ver el acontecimiento por la televisión (aunque añoro los tiempos en los que el evento era emitido para todo el mundo, y no sólo para los abonados a Canal +; si bien esto último ha ocasionado agradables reuniones de amigos). Otra cosa es si la película que gana es o no la mejor.

Los Oscars son un negocio típicamente norteamericano y, sin embargo, aquí nos empeñamos en españolizarlos, como si perdiéramos el culo por estar invitados a la fiesta. Algunos medios de comunicación tan solo hablan de la presencia de nuestro país en el asunto; que si está nominada Penélope Cruz, que si tanto La teta asustada como El secreto de sus ojos tienen participación española... Y, sin embargo, obvian nombrar las películas para las que está hecho este premio: las producciones norteamericanas populares. Este año, era previsible, zas, Avatar. Se ha colado Distrito 9, de lo que me alegro mucho; y, posiblemente, con el permiso de La cinta blanca (que compite en la categoría de mejor película de habla no inglesa), sea Malditos bastardos la mejor película de las nominadas (en esta ocasión, se han olvidado de Invictus). También aparece por ahí En tierra peligrosa, de Kathrin Bigelow, ex-exposa, por cierto, del todopoderoso James Cameron. A lo mejor da el campanazo y le manga toda la gloria al padre de Terminator.

A mí, James Cameron siempre me ha gustado (desde los tiempos de Piraña 2: Los vampiros del mar, película de la que él mismo reniega), pero me parece un poco palizas con lo de revolucionar el cine. Pero, ¿qué cine? ¿El de altísimo presupuesto? Porque, que yo sepa, el otro no necesita de revolución alguna. Gaspar Noé, Michael Haneke, David Lynch o Lars von Trier son mucho más rompedores que el director de Mentiras arriesgadas y se las pintan solos para, a la chita callando, plantear propuestas mucho más refrescantes que la de los muñecos azules del planeta Pandora. Y, obviamente, no quiero decir con esto que no me guste Avatar (de hecho, la he visto dos veces); pero también me gustaron mucho Alien's o Abyss y no se le dio a Cameron tanto bombo y platillo.

En resumidas cuentas. Avatar va a arrasar, sin que eso signifique que sea la mejor película del año, ni que vaya a revolucionar no sé qué...

Invictus

2010-01-31T07:54:00.000-08:00

El personaje de Matt Damon parece entender, visitando la celda de Nelson Mandela (espléndido Morgan Freeman) que, a pesar de las rejas, un hombre puede ser libre. Mientras confirmo, por enésima vez, que Clint Eastwood es un genio del cine, no puedo evitar recordar unos versos de nuestro Miguel de Unamuno: "Para el pájaro enjaulado, el canto es vuelo." Mandela, rodeado de libros y más libros en algunos de los planos de Invictus; fortalecido por esos versos que se oyen en algunos de los fragmentos del film, pues la poesía es maná de toda persona invencible, capaz de trascender la abyección, ningunear la bajeza abrazando ese estoicismo que conduce a la felicidad, al necesario optimismo del triunfador.

Creo que Invictus es algo más que una película acerca del poder del deporte (en este caso el rugby) para unir al pueblo, creo que es una película acerca del poder de la sabiduría.

A la chita callando, Eastwood factura una obra maestra del cine, conmovedora, a la altura de alguna de sus mejores obras: Cazador blanco, corazón negro, Los puentes de Madison o Million dolar baby.

La herencia Valdemar

2010-01-25T02:47:00.001-08:00

Ayer tocaba ver, de matinal, la última película de Paul Naschy: La herencia Valdemar. Acudí al cine con Isabel, que ya es una espectadora habitual de nuestro querido Sitges, y allí coincidimos con Javier Millán, con quien también nos vemos frecuentemente en dicho festival, el que otorga un premio que lleva el nombre del popular actor y donde este mismo año pudimos disfrutar del esperado trailer de esta arriesgada película. Recuerdo a José Luis Alemán, el director de La herencia Valdemar, muy nervioso, tartamudeando y chorreando sudor, acompañado por el elenco femenino de su ópera prima. Claro, tras ver La herencia Valdemar, uno llega a la conclusión de que a lo mejor el director, que es a su vez productor, de la película temía no recuperar la mastodóntica inversión de, si mal no recuerdo, ciento cincuenta millones de euros. ¡Uf!

Lo que me gusta de La herencia Valdemar es que es una película atípica, atrevida, en tanto en cuanto no sigue los parámetros actuales del cine de terror. Opta por plantear una trama con parsimonia, sin prisas, dejando que la acción vaya desarrollándose poco a poco. No es una película difícil de seguir, pero sí que exige estar atento y ser paciente, ir entrando poco a poco en el universo que su director (que tambnién es el guionista) plantea. Hay poco gore y poca acción, pero hay planos muy logrados, de una belleza clásica incontestable. No está rodada en video digital, sino en 35 mm., de ahí que la cámara se mueva poco; lo justo y necesario. Algunos personajes pueden chocarnos (en esta entrega aparecen Aleister Crowley y Bram Stoker), pero, claro, la ficción exige de la convención, de la predisposición para sacrificar la verosimilitud en aras de la diversión.

La película juega con dos tiempos. El actual y el pasado, y también sorprende que casi todo su metraje se centre en el siglo XIX. En el fondo, es un largo flash back, pero necesario para crear la atmósfera precisa. Lo que ocurre es que la película termina cuando uno espera que arranque, pero esto no es sino otra virtud, pues a uno le entran ganas de ver la continuación (ya saben que la película se ha rodado en dos partes, como Kill Bill), sobre todo, tras contemplar las atractivas imágenes del trailer inserto en los títulos de crédito finales. ¡Ay! Creo que hay que esperar hasta el verano...

Es decir, que esta película está muy pero que muy bien (a Isabel le encantó), pero puede no gustar por su atípica propuesta. Me complacería que fuera un tremendo éxito, no sólo para que José Luis Alemán recupere con creces la inversión sino también para que pueda venir a Sitges a presentarnos muchas otras películas, y sin ponerse nervioso.

No se la pierdan. Disfrútenla y disfruten del último trabajo como actor del gran Naschy.

Sherlock Holmes

2010-01-16T03:27:00.000-08:00

Si Arthur Conan Doyle levantara la cabeza a lo mejor aplaudía la última versión cinematográfica de su célebre personaje. Él mismo, harto de la fama que el detective de Baker Street le había propiciado, decidió deshacerse de él para, posteriormente, presionado por un público lector enfurecido, resucitarlo en la magistral El sabueso de los Baskerville (novela, por otra parte, ligada a una de esas leyendas negras que, de vez en cuando, nos brinda la literatura). La relación de Conan Doyle con Sherlock Holmes era de amor y odio. Sabido es que este oftalmólogo metido a escritor deseaba reconocimiento por otras de sus novelas, menos populares, como La compañía blanca o Sir Nigel. Así que a lo mejor le hubiera hecho gracia ver a Holmes cambiar la morfina por las brutales peleas en los bajos fondos londinenses que nos sirve Guy Ritchie en su trepidante última película.

No soy yo de los que se tiran de los pelos por las traiciones a ese concepto tan ambiguo del espíritu de los originales literarios. ¿Traicionó Terry Gilliam a Cervantes? ¿Peter Jackson a Tolkien? ¿Roger Corman a Poe? ¿Stuart Gordon a Lovecraft? Si, en este sentido, la traición existe, hay que buscar culpables muy anteriores a Guy Ritchie; de hecho, el cine ha popularizado una frase que no aparece en la versión de Ritchie y que jamás pronuncia Holmes en los originales de Conan Doyle: "Elemental, querido Watson." La película de Ritchie toma cosas de traidores anteriores, pues Holmes, junto con Drácula, es uno de esos personajes de la ficción literaria más veces aparecidos en una pantalla y, en consecuencia, maravillosamente traicionados. El Holmes de Ritchie puede recordar a La vida privada de Sherlock Holmes o a El secreto de la pirámide, si bien se aleja de la versión que Terence Fisher hizo de El perro de los Baskerville. La película de Guy Ritchie es al Sherlock Holmes de Conan Doyle lo que la película de Francis Coppola es al Drácula de Bram Stoker. Pura traición enriquecedora.

Guy Ritchie concibe un espectáculo audiovisual a la altura de los gustos estéticos del gran público actual. Una película de endiablado ritmo y alardes técnicos tan sofisticados que, en ocasiones, uno tiene la sensación de estar ante un videoclip (y no escribo esto con matiz peyorativo). Así las cosas, el Sherlock Holmes de Guy Ritchie es un ejemplo perfecto de vehículo de diversión, que refresca el personje de Conan Doyle, sirviéndolo en la bandeja que quizás apetecen las nuevas generaciones de cinéfilos y lectores.

No se la pierdan.

El cónsul de Sodoma

2010-01-12T13:50:00.000-08:00

Me despido de Eric Romer acudiendo al mismo cine en el que disfruté algunas de sus últimas películas: Cuento de otoño, La inglesa y el duque, Triple agente. La polémica propuesta de Sigfrid Monleón acerca de parte de la vida de Jaime Gil de Biedma me propone un intenso viaje, no para el gusto de todos (como tampoco lo era el cine de Romer), que acepto encantado. Jordi Mollá se transfigura, inmenso, en esta pequeña gran película que trata de la decadencia, de la poesía, de la belleza, del arte y de la libertad. Cine valiente plagado de diálogos espléndidos que ficcionaliza el ambiente literario de una España convulsa en la que la palabra, como casi siempre, sirve de huida o de arrojadiza arma, sutil y elegante. Película no para el gusto de todos, como tampoco lo fue, lo es ni lo será, la poesía de Gil de Biedma; paradigma de tantos y tantos autores malditos para los que ni este ni aquel es ni fue su tiempo.

Conmovedora; una de esas películas imprescindibles que surgen, como por casualidad, de vez en cuando.

Lo mejor del 2009

2010-01-05T02:03:00.001-08:00

¿Qué es lo que más me ha gustado del cine que he visto durante el 2009?

LAS TRES MEJORES

En primer lugar voy a citar las que para mí han sido las tres mejores películas del año. Son tres títulos arriesgados, que se apartan del cine convencional, facturadas por tres autores que no se someten a los intereses bienpensantes y complacientes de productores con intereses crematísticos que buscan al gran público, ése que habitualmente se ofende cuando el arte muestra la cara más visceral de la realidad, como si nuestro mundo fuera un angelical camino de rosas. En fin...

Enter the void (Gaspar Noé): todavía inédita en nuestras salas comerciales, pude verla en el Festival de Sitges. Enter the void es la nueva, impagable e impactante, obra maestra del autor de Irreversible. Cine de autor en estado puro, y duro, que se antoja uno de los ejercicios de etilo más complejos y arriesgados de los últimos años.

Anticristo (Lars von Trier): otro "enfant terrible" del cine europeo. Abucheada e idolatrada a partes iguales. A mí desde siempre me gusta Lars. Desde siempre.

Julia (Erick Zonca): Y otra película de otro de esos tipejos que se apartan de los sueños infantiloides. Un descenso a los infiernos protagonizado por una Tilda Swinton que lo da todo en el mejor papel de su vida. El amigo Zonca ha tardado casi diez años en llevar a cabo este proyecto desde su anterior joya: El pequeñó ladrón (1999).

Después de estas tres, a las que considero mejores del año, por encima de nacionalidades y demás tonterías, vamos a centrar la atención en las "spanish movies".

ESPAÑOLICAS

La que más me ha gustado de todas es Ágora (Alejandro Amenábar), seguida de Los abrazos rotos (la película que deberíamos haber enviado a los Oscar, sin duda). Rec 2 también me gustó mucho (ex aequo con la peli de Almodóvar y, en plan gamberrete, la hubiera enviado a los Oscar mucho antes que la de Trueba). Y tengo que reconocer que, a pesar de que no me guste el cine de Campanella, sí que disfruté de El secreto de sus ojos. Celda 211 no estaba nada mal, aunque antes me quedo con cualquiera de las tres que he citado en el primer apartado de este articulillo.

LAS TRES MEJORES (EN PLAN COMERCIAL)

Y ya para finalizar, cito mis tres películas favoritas de las hechas para el gran público: Paranormal activity (Oren Pelli), Avatar (James Cameron) y Gran Torino (Clint Eastwood).

Un buen año, sin duda.

Avatar

2010-01-04T04:23:00.001-08:00

Reescritura en clave siniestra de La sirenita, Avatar se constituye inusual historia de amor donde lo monstruoso es contemplado con esa exquisita sensibilidad de la que James Cameron ya había hecho gala para mostrar lo extraño. Los asfixiantes paraísos industriales han terminado por hacer del hombre un terminator violento que debe escapar de sí mismo, renegando de su naturaleza cruel, escapando a un entorno bucólico, épico lírico; realidad virtual en la que es posible recuperar el paraíso perdido.

Apuesta arriesgada y difícil, mucho menos comercial de lo que se preveía, Avatar se degusta como crítica en clave, feroz, a la especie humana, revestida con lujosa vestimenta en elaborado relieve. Insólito espectáculo audiovisual no carente de trascendencia y riqueza conceptual.

He de reconocer que su primer visionado me dejó estupefacto, terminando de enamorarme al acudir al cine por seguna vez (ambos pases, lógicamente, los disfruté en 3D). A pesar de las opiniones adversas, me atrevo a decir que Cameron ha facturado un clásico inmediato (como en tantas otras ocasiones), un fenómeno "mainstream" con una tremenda carga autoral que puede arrasar en la próxima ceremonia de los Oscars. Tiempo al tiempo.

Enigma

2010-01-03T10:13:00.000-08:00

Comienzo el año curioseando en la vida de un artista que siempre me ha fascinado: Michael Jackson. Descubro, gracias al pedazo de libro (cerca de mil paginicas) de J. Randy Taraborrelli, muchos detalles de la vida del mito. Posiblemente, el autor de Thriller viviera la paradoja de tenerlo todo y, a la par, sentir la terrible nada. Genio loco, músico y bailarín magistral, uno llega a la conclusión de que Michael Jackson es y será, ante todo, un enigma irrepetible; el insustituible Rey del Pop. ¿Para cuándo una película sobre él? Se admiten propuestas de director y actor.

¡Felices fiestas!

2009-12-24T00:49:00.001-08:00

Mis queridos oyentes y lectores, les deseo a todos ustedes unas felices fiestas. Disfruten de las cenas, las comidas, los regalos... Paseen por las adornadas calles de la mano de sus seres queridos, y disfruten de las luces y belenes, de las castañas calientes y el chocolate con churros; y de la niebla, que es tan hermosa como nostálgica. Y vayan al cine, y no se pierdan Avatar, que es magnífica; ni Bienvenidos a Zombiland, que también lo es; y, un poquito más adelante, 9, que es una película de animación producida por Tim Burton que hará las delicias de mayores y pequeños.

Y, los más curiosos, los más "freaknéfilos", o aquellos que no apetezcan del benevolente espíritu navideño, pueden rescatar la impactante película cuya carátula sirve de postal a esta felicitación: la macabra Noche de paz, noche de muerte, una película de culto e los años 80 que cuenta con unas cuantas continuaciones.

Disfruten, amigos, disfruten... Viajen aprovechando las vacaciones, lean junto a una buena lumbre, visiten museos y exposiciones, bailen o hagan aquello que más les complazca.

Disfruten, queridos amigos.

El último abrazo

2009-12-01T05:48:00.000-08:00

Mientras conducía camino de mi casa, escuchando la radio, me he enterado de que Paul Naschy (Jacinto Molina Álvarez) acababa de morir. Desde ese momento, el viaje se ha transformado en una circunstancia ideal para la evocación. He vuelto a verme de niño, en casa de mi abuelo, frente a las fantasmagóricas imágenes de La rebelión de las muertas, una película que me enamoró para siempre del cine fantástico. Sí, luego vinieron otras experiencias (La noche de Walpurgis, El retorno del hombre lobo, Los ojos azules de la muñeca rota...) porque yo debo buena parte de mi amor al cine a Paul Naschy y su rico universo cinematográfico.

El cine de Naschy me enseñó a saber mirar la realidad desde ese ámbito poético que se aparta de lo mundano. Toda visión sobre los acaeceres es mera interpretación y, por ende, la realidad es siempre enigmática, misteriosa, hermosa... Gracias a Naschy aprendí que la imaginación es una de las más poderosas potencias de la inteligecia humana, hasta el punto de que la mayor parte de respuestas que el ser humano ha dado (desde perspectivas artísticas o teóricas) se sustentan en el uso de la misma. Para mí, Naschy es un maestro, pues me introdujo desde niño en los neblinosos parajes de lo extraño e inusual.

Tardé algunos años en conocer al maestro en persona. Me topé con un hombre afable y enérgico; un conversador infatigable, extremadamente culto y con un tremendo sentido del humor. Recuerdo algunas veladas memorables, escuchando algunas de sus increíbles anécdotas. Naschy era muy humano, pues reía mucho, aunque también lloraba. Como a todos, la vida le dio algunos duros golpes, pero él era un auténtico hombre de acción; luchador infatigable, siempre ilusionado.

Desde hace ya más de diez años, su figura ha sido reivindicada, defendida, homenajeada, consagrada, tanto en España como en el extranjero. A dicha labor han contribuido intelectuales, cineastas, artistas y legiones de aficionados entre los que me cuento.

Desde aquí, un último abrazo bajo la luz de la luna llena.

Experiencias paranormales

2009-11-29T08:31:00.000-08:00

Tras disfrutar en Sitges de esa grata sorpresa que, dada la rutinaria cartelera, supone Paranormal activity, el miedo de mi novia hacia el cine de terror me llevó (gratas casualidades de la vida) a descubrir una versión de la película que no es la que este viernes se ha estrenado en toda España. Imagino que esta versión, algo más larga (pero menos intensa que la que se ha estrenado) es la que hace un par de años descubrió Steven Spielberg (ya saben ustedes que hay mucha rumorología al respecto) y la que, sin duda, se incluirá en el esperado DVD como material extra.

A Isabel le gusta el cine de terror, siempre y cuando yo le vaya contando lo que va ocurriendo (aunque hay que reconocer que a veces le echa valor, pues ya lleva un par de años viajando a Sitges; aunque a lo mejor es por el arroz con bogavante) y, si ya he visto la película de antemano, ¡mucho mejor! Pero claro, la monda viene cuando lo que uno cuenta no tiene nada que ver con lo que ocurre en la pantalla... ¡Ja, ja, ja! Eso sí que es todo un final inesperado, una auténtica experiencia paranormal.

Dos grandes versiones. La original, más pobre y discreta, aunque igual de subyugante. La que se ha llevado el gato al agua (sabiamente retocada): obra maestra.

¿Todavía no las han visto?

Luna nueva, luna vieja

2009-11-18T06:40:00.001-08:00

Desde que John William Polidori, basándose, probablemente, en sus tormentosas relaciones con Lord Byron, compusiera El vampiro, tan célebre personaje deja los arquetípicos terrenos de lo folklórico y se sofistica, transformándose en un seductor impecable que el cine va a utilizar y potenciar desde temprana edad.

Hoy por, hoy, el vampiro es uno de esos personajes de ficción a los que el celuloide, con mayor o menor fortuna, le ha incado el diente.

Personalmente, el personaje del vampiro comenzó a fascinarme gracias a una película española, titulada Pastel de sangre, que pude ver en el proyector de Súper 8 que mi abuelo tenía en su casa. Si mal no recuerdo, una de las cuatro historias que conformaban aquella película de Francesc Belmunt trataba el asunto. El Drácula de Terence Fisher también me encantó, cuando, también de niño, la vi en televisión, por vez primera, en aquel programa de grato recuerdo: La Clave.

Desde entonces, ha llovido mucho. Ahí van unos cuantos títulos imprescindibles para introducirse en el maravilloso tema del vampirismo en el cine:

Nosferatu (F.W. Murnau), Drácula (las versiones de Browning, Fisher y Badham), Las amantes del vampiro (Roy Ward Baker), El gran amor del conde Drácula (Javier Aguirre), Bram Stoker's Drácula (Francis Ford Coppola), Entrevista con el vampiro (Neil Jordan), Cronos (Guillermo del Toro), Los viajeros de la noche (Katrhyn Bigelow).

Los fans estamos de enhorabuena. Hoy mismo se estrena Luna nueva.

Lo nuevo de Clint

2009-11-16T09:38:00.000-08:00

Navegando por la Red me entero de que Clint Eastwood tiene ya nueva película. Con Morgan Freeman en el papel de Nelson Mandela. Sí, de esto hablamos en el programa hace ya tiempo. Ahí va la reproducción del cartel.

A esperar.

Entre libros

2009-11-10T09:43:00.000-08:00

Entre una colección de maravillosas narraciones vertidas sobre el papel por la pluma de Roald Dalh (Relatos escalofriantes) y una marcianada infumable de una tal Ana Merino (de cuyo título no quiero acordarme), me recreo con un libro que recomiendo fervientemente a quienes gusten de disipar sus dudas acerca de un aspecto de nuestra hispánica (y berlanguiana) cultura: el cine fantástico español.

Fruto de la esmerada labor de Ángel Agudo y Ángel Gómez (y con prólogo de Christopher Lee) acaba de llegar a las librerías Paul Naschy: La máscara de Jacinto Molina. Este delicioso tocho se une a otros trabajos no por más breves menos interesantes aunque sí que ya descatalogados (o casi): El cine fantaterrorífico español, estupendo extracto de la tesis doctoral de Adolfo Camilo Díaz; los números 4 y 5 de la revista Quatermass; los dos volúmenes editados al respecto por la Semana de Cine de Terror de San Sebastián (Cine fantástico y de terror español) y, cómo no, la divertidísima autobiografía escrita por el propio Naschy (Memorias de un hombre lobo) y editada por Alberto Santos.

Dicho queda, por si alguien gusta de aprender alguna cosilla (o mucho) al respecto.

X

2009-11-08T06:22:00.000-08:00

Después de algunos días sin actualizar el blog (pido disculpas) vuelvo a la carga con el culebrón de Saw VI. Mientras los aficionados españoles esperamos la edición en DVD para poder disfrutarla en condiciones, ya podemos (o no, depende de cada cual) consolarnos con algunas de las copias subtituladas que han comenzado a circular por ahí. Claro, no en todas las ciudades hay salas X, y, que carámbanos, hay quienes tienen ansias de seguir cultivando su gusto por el cine, a pesar de las recomendaciones del cultural Ministerio. La reflexión inmediata es, ¿acaso no contribuye con estas medidas el susodicho Ministerio de Cultura a fagocitar la piratería y fastidiar un poquito más a la industria? Por cierto, tampoco parece que el público, dado que no puede ver cierto tipo de cine norteamericano, opte por disfrutar del cine patrio. Ayer estuve viendo la por otra parte espléndida película de Daniel Monzón, Celda 211. ¡Y estábamos cuatro gatos en la sala! ¿Y por qué no la habrán calificado a ésta como X?

...y libertad

2009-10-28T11:00:00.000-07:00

Un pequeño inciso en la relación que estos días llevo a cabo respecto a todo lo que he podido ver en el Festival de Sitges (todavía tengo en el tintero algunos títulos de los que hablar). Paciencia, amigos. Pero ahora tengo que tratar, obviamente, de la polémica que concierne a una de esas películas que todos esperábamos: Saw VI.

Al parecer, quienes velan por nuestra salud moral (Ministerio de Cultura en este caso) han decidido que los españoles, a diferencia de los ciudadanos europeos y norteamericanos, no tenemos la madurez intelectual suficiente para disfrutar sanamente de cierto tipo de productos, dado que pertenecen al ámbito de lo obsceno y, por ende, incitan a la barbarie y a la violencia. ¿Realmente es el cine de horror responsable de ciertos males sociales? ¿Acaso los factores socioeconómicos no son mucho más responsables que un producto de ficción concebido para celebrar la Noche de Difuntos (Halloween por otros lares)? Seguro que todos ustedes, al leer estas líneas, tienen en mente fenómenos de nuestra democrática sociedad que son muchísimo más indignantes y ofensivos que Saw VI. Por ejemplo...

Recuerdo a Luis Buñuel y su Un chien andalou. Ese corte ocular maravillosamente obsceno, poéticamente provocativo. Quizás vaya siendo hora de plantear el exhibir esta obra magna en la sala x de turno. Seguro que el gran Luis García Berlanga iba a verla, por aquello que dijo de que para hacer cine hacían falta dos cosas: una cámara y libertad. Por cierto, para ver cine, tan solo hace falta la segunda, aunque a lo mejor tenemos que volver a viajar a Perpignan.

Solomon Kane (Sitges 2009)

2009-10-19T11:08:00.000-07:00

Y seguimos con lo visto este año en el Festival de Sitges. De la pluma de Robert E. Howard (autor esencial para entender la épica fantástica actual) han surgido personajes tan carismáticos como Conan el bárbaro, Rey Kull o Red Sonja. Todos ellos han conocido adaptaciones cinematográficas, más o menos afortunadas, a las que ahora se une Solomon Kane: perfecto ejemplo de cine de espada y brujería que cambia, fiel a las características de la base literaria, los parajes de la Era Hiborea por un siglo XVII en el que la magia campa a sus anchas. A pesar de su fuerte personalidad, Solomon Kane recuerda a la oscarizada adaptación que Peter Jackson hiciera del clásico de Tolkien, y no ya sólo por algunos aspectos estéticos, sino incluso por algunos momentos de su banda sonora e incluso por el parecido que hay en la película entre James Purefoy y Viggo Mortensen. No obstante, Solomon Kane se basta a sí misma para agradar al espectador que guste del cine de aventuras fantásticas. Produce Samuel Hadida (homenajeado este año en el festival) y dirige, con oficio, Michael J. Bassett, logrando la mejor adaptación de la literatura de Howard desde el Conan de John Milius. Ahí es nada.

Paranormal activity (Sitges 2009)

2009-10-18T12:29:00.000-07:00

Y hoy toca hablar de una de las películas más sensacionales del festival, uno de esos títulos que provocan un pequeño fenómeno social, pues está ya en boca de todos. Paranormal activity toma el testigo de The Blair witch project (de nuevo estamos ante un supuesto documental que testimonia extraños fenómenos) si bien proporciona toda aquella carga de tensión (y diversión) que el mítico título prometía pero que, a mi entender, no terminaba de lograr. Paranormal activity es, ante todo, una película de las que da miedo, de las que te mantiene pegado y con canguelo a la butaca desde que empieza, yendo a cada escena un poquito más allá. La trama: sencilla. Una parejita de enamorados se traslada a su nueva casa y deciden grabar, con una videocámara, el extraño acoso fantasmal que la chica siente, desde hace tiempo, por las noches. El resultado: una de las películas más espeluznantes de la Historia del Cine. Una obra maestra que va a dar mucho que hablar. Creo que su estreno en España está previsto en noviembre. Perderá bastante doblada al español; pero, a pesar de ello, no se la pierdan.

Zombieland (Sitges 2009)

2009-10-16T10:05:00.000-07:00

Estas próximas navidades van a ser sangrientamente divertidas. En esta ocasión va a ser esta jocosa adaptación de un estupendo cómic la película que llevar a ver a los “niños”. Obtuvo el Premio del Público del reciente Festival de Sitges dado que, ante todo, entretiene (aplausos y carcajadas constantes durante su proyección). Una propuesta diferente a la de la película que ayer comenté a pesar de su pertenencia al mismo género. Woody Harrelson está impecable, pero muy atentos a la gran sorpresa: la aparición del gran Bill Murray haciendo de sí mismo. Por cierto, no se vayan de la sala hasta que no terminen los títulos de crédito finales; hay inesperada escena final.

La horde (Sitges 2009)

2009-10-15T07:55:00.000-07:00

Desde Francia vuelve a llegarnos uno de los títulos más impactantes del reciente cine de género. La horde se une a propuestas extremas de la talla de Frontière(s), À l‘intérieur y Martyrs sirviéndonos un radical título de horror “zómbico” (valga la palabreja).

La horde podría ser considerada la respuesta europea al Amanecer de los muertos de Zack Snyder, pero todo en ella es mucho más enfermizo, paroxístico, sin concesiones. Yannick Dahan y Benjamin Rocher constatan con esta dinámica e hipervitaminada propuesta que el cine de zombis debe ser entendido ya como un subgénero perfectamente constituido dentro del amplio panorama del fantástico. En este sentido, La horde es una película impecable que, sin duda, hará las delicias de los fans que, como yo, disfrutamos con ciertas fantasías claustrofóbicas, oscuras, cárnicas...

Pandorum (Sitges 2009)

2009-10-07T15:11:00.001-07:00

Tras Expediente 39 (su reciente película anterior), Christian Alvart toma el testigo legado por el Alien de Ridley Scott (y sus adrenalíticas continuaciones) y nos brinda un emocionante ejercicio de estilo neogótico: sombríos pasillos, siniestros personajes y crípticos misterios en una nave perdida en ese espacio sideral en el que nadie puede oír los gritos.

La aparente sencillez de la saga alienígena por excelencia resulta en este caso mucho más compleja, pero igual de eficaz, dado que estamos ante una de esas películas que pretende poner nervioso (y lo consigue). Cine de género puro (que no duro) concebido para un gran público que no saldrá defraudado.

Por momentos, Pandorum recuerda a Dead space, el “survival horror” más genuino de los últimos años. Quizás no sea casual, dado que Paul W. S. Anderson, responsable de los Resident evil cinematográficos, produce el evento.

La película va a llegar dentro de pocos días a todas las pantallas. ¡No se la pierdan!

Rec 2 (Sitges 2009)

2009-10-07T14:19:00.000-07:00

Con Rec 2, Balagueró y Plaza tiran la casa por la ventana. Dejan a un lado el subyugante sentido del miedo, esa cámara única que iba profundizando poco a poco en los inhóspitos terrenos del enigma oscuro y apuestan por un espectáculo contado desde diversos puntos de vista en el que los referentes escapan de los terrenos de la sutileza apareciendo festivamente explícitos. En este sentido, Rec 2 es una juerga desprejuiciada para esos fans que lo han pasado estupendamente tanto viendo El exorcista como jugando a F.E.A.R. Todo un “survival horror” cinematográfico que es lógica y perfecta evolución de su magistral antecesora, mucho más contenida y, por ello, verosímil.

Es posible que los puristas digan que esta continuación no era necesaria; pero los fans la aplaudimos, tanto o más que la primera.

¿Para cuándo la tercera?

La huérfana (Sitges 2009)

2009-10-07T06:57:00.000-07:00

A pesar de que tan solo tiene en su haber dos películas de género, me atrevería a decir que Jaume Collet-Serra es uno de los talentos más estimables del panorama del cine fantástico actual. La casa de cera era una estupenda película, si bien quedaba lejos de las excelencias de La huérfana, su primera obra maestra.

Estamos ante uno de los ejercicios de suspense más eficaces de los últimos años. Un título inquietante, plagado de verdaderas sorpresas entre las que destacaría la interpretación de Isabelle Fuhrman, que con su personaje de Esther regala a la amplia galería de espectros del cine de terror una de las creaciones más memorables de la década.

Collet-Serra narra con pulso hitchcockiano las vicisitudes de una familia que acoge en su seno a una adorable (y algo repipi) huerfanita. Collet-Serra manipula a su antojo al espectador, sumergiéndolo en una trama emocionante carente de momentos de reposo. Decirles algo más sería estropearles la fiesta que les espera próximamente en sus salas cinematográficas favoritas.

Pero, ¿qué le pasa a Esther? Corran al cine a averiguarlo disfrutando de este clásico inmediato.

The collector (Sitges 2009)

2009-10-06T06:36:00.000-07:00

Siguiendo la estela de Saw nos llega esta tensa película concebida para estómagos fuertes y corazones a prueba de infarto. Los más quisquillosos apuntarán mil y una incoherencias argumentales (y tendrán razón), pero quienes apetezcan de buenas dosis de sustos, acción y “gore” sofisticado encontrarán en The collector un divertimento digno de aplauso. No es una obra maestra ni marcará un antes y un después en la historia del género, pero no puede negarse su contundente eficacia y la tremenda diversión que proporciona durante una escalofriante hora y media. ¡Y el malvado coleccionista del título da un miedo...!

Thirst (Sitges 2009)

2009-10-05T05:58:00.000-07:00

Parafraseando a Rafael Sánchez Ferlosio, más que pensar, imaginamos. Cuando la realidad se impone, toda idealista concepción del mundo varía, por necesidad. Somos demiurgos sometidos a constantes mutaciones, de cuerpo y alma. Así, Thirst nos habla de la débil estabilidad de nuestras certezas a través de la curiosa historia de un sacerdote transformado, casualmente, en su reverso tenebroso: un vampiro sediento de sangre. Park Chan-wook, que con Thirst confirma su maestría, lleva el trillado terreno del vampirismo a unas inusuales cotas de originalidad, dando una visión novedosa de una tópica que, bajo su quirúrgica mirada, se refresca a cada escena. Thirst puede verse como un trascendente ejercicio de estilo, si bien resulta imposible no caer bajo el hechizo de su sentido del humor y pasional carga emotiva. Una película diferente, digna de ser vista para experimentar toda su indescriptible grandeza.

Desde Sitges

2009-10-02T00:55:00.000-07:00

“Mirando al mar soñé…” Un año más estoy en mi festival favorito, el de Sitges, disfrutando de extrañas películas y saludables paellas. Buena temperatura (no ese calor infernal de los estivales meses) y ausencia de familias estruendosas que pueden amargarle la cervecilla en la terraza a cualquiera. Hoy nos espera lo último de Takashi Miike y Park Chan Wook (ahí es nada) y, para rematar, una maratón que se antoja de lo más morbosa, donde veremos The collector y Shadow.

En los próximos días iré publicando en este blog los correspondientes articulillos relacionados.

Permanezcan atentos o, mejor aún, vengan a disfrutar ustedes mismos.

Esa profesionalidad...

2009-09-25T01:11:00.000-07:00

Los cines se han ido transformando, por esa dejación de formas de la que cada vez más hacemos gala en este pintoresco país, en lugares algo incómodos. Espectadores que hablan o que propinan patadas constantes en la butaquita de delante (donde yo suelo estar sentado) son fauna habitual de las salas.

El otro día me las prometía yo muy felices cuando, en compañía de mi novia, me disponía a ver San Valentín sangriento 3D en los cines Aragonia. Tan solo vislumbrábamos a otro espectador, sentado en el otro extremo de la sala. Pero, hete aquí que, en mitad de la proyección, se abrió la puerta y entró un empleado que no encontró mayor problema en sentarse cerca de nosotros y obsequiarnos, durante unos veinte minutos, con una extraña conversación que mantenía con alguien gracias a esos horrendos comunicadores que llevan quienes trabajan en los cines modernos.

¿De qué me sirve apagar el móvil? ¿De qué el ir a sesiones intempestivas evitando posibles espectadores molestos si ya los mismos profesionales parecen haber perdido su (valga la redundancia) profesional condición?

San Valentín sangriento 3D

2009-09-22T12:37:00.001-07:00

Espectacular versión del clásico de los 80 que alcanza gracias a las 3D y a la alta definición una estética de lo más singular. Sin la gracia de los efectos tridimensionales, San Valentín sangriento 3D pasaría a ser un “body count” soso y previsible; pero su director, Patrick Lussier, a quien debemos películas interesantes como Drácula 2000 y bodrios infumables de la talla de White noise 2 resuelve el entuerto con dignidad (sobre todo si tenemos palomitas y Coca Cola cerca y, a ser posible, adolescentes gritones).

Ya se acerca...

2009-09-20T04:19:00.000-07:00

Como todos los años, Sitges se acerca o, mejor dicho, está ya a la vuelta de la esquina. Este año, el festival de cine fantástico más importante del mundo está dedicado a Alien, el clásico de Ridley Scott. En estos momentos, como pueden imaginarse, servidor se encuentra haciendo ecuaciones para casar horarios y ver la mayor cantidad de películas posibles sin desatender esos momentos maravillosos de paseos marítimos, cafecitos y paellas (pues no solo de cine vive el hombre).

Entre lo que con total seguridad veré, y que comentaré a su debido tiempo en este blog, se encuentran: Thirst, Grace, Pandorum, The hole 3D, Orphan, George A. Romero’s Survival of the dead, La horde, Enter the void, The imaginarium of doctor Parnassus… La lista es mucho más largaaaaaaaaa; pero creo que esto puede ser lo más interesante (por si alguien anda algo despistadillo). Este año, el festival pinta pero que muy bien. No obstante, pueden acceder a toda la información y elegir las películas que más les apetezcan (las hay a cientos) en la elaborada página web del evento: http://www.cinemasitges.com/

¡Hagan ya sus reservas!

Distrito 9

2009-09-15T09:24:00.000-07:00

Apadrinado por el oscarizado Peter Jackson, Neill Blomkamp elige una adecuada estética documentalista para servirnos una singular película de invasión alienígena plagada de obvias referencias a una realidad social, la nuestra, que se antoja mucho más bizarra que los horrores imaginados por los grandes maestros de la ciencia ficción. Así las cosas, Distrito 9 emana marcada personalidad propia desde sus primeros planos. Interesa y engancha al espectador, sin soltarlo hasta el final, tanto por su trascendente fuerza dramática como por su nada desdeñable sentido del espectáculo. Es cine con trasfondo sin renunciar al entretenimiento, cuento para adultos sin renegar de simplicidades. Un aplaudible ejercicio de estilo que guarda un equilibrio perfecto entre el sainete y la tragedia, con un plano final precioso que cierra el producto con broche de oro.

¿Clásico inmediato? Posiblemente.

Mapa de los sonidos de Tokio

2009-09-10T05:17:00.000-07:00

He visto toda la filmografía de Isabel Coixet y he prestado además sumo interés para ver si consigo disfrutar de las excelencias que muchos destacan de su cine. Me enseñaron, y creo que con acierto, que no hay que quedarse en la mera superficie del “me gusta” o “no me gusta”, sino que, para obtener ciertos placeres, son necesarios ciertos sacrificios. Pero, con el cine de la Coixet, no lo consigo ni a la de veintitrés. Ese universo que refleja “la esencia de lo femenino”, según me dicen algunas entendidas amigas mías, debe ser tan incompatible conmigo como con ellas lo es el mundo de Lynch, Cronenberg o Lars von Trier. Cuestión de sensibilidad pervertida (la mía, sin duda). En Mapas de los sonidos de Tokio sólo consigo ver la superficie de la hoja, jamás el envés. No distingo más allá de la mera estética de anuncio de colonias alargado y opino que a esta gran directora (según mis amigas) le ha venido la inspiración tras una noche de insomnio tragándose la filmografía de Wong Kar Way y, quizás, alguna lindeza “made in Takashi Miike” que le habrá prestado otro gran director (según yo): Jaume Balagueró. Pero su última propuesta cinematográfica, que pasó sin pena ni gloria por el Festival de Cannes (es decir, no fue ni tan siquiera abucheada), no alcanza ni las cotas de belleza, profundidad y transgresión de uno u otro. El cine de Isabel Coixet siempre me ha parecido falso y descafeinado (a pesar de los esfuerzos de excelentes intérpretes como Tim Robbins o Sarah Polley). No me llega. No me transmite nada. Me aburre insondablemente.

Las escenas eróticas de Mapas de los sonidos de Tokio me resultan trasnochadas y pasadas de moda (les recomiendo El imperio de los sentidos). Su suspense no me emociona (vean antes, si no lo han hecho, La sombra de una duda). Sus personajes no me los creo y, por ende, no me interesan sus problemas (¡qué bonita que era, por ejemplo, Barry Lindon!). ¡Qué mal que está además el gran Sergi López, cuán al menos, en la horrorosa versión doblada!

Pero no se crean nada de lo que he dicho. Insisto. El problema es mío. No consigo conectar con el mundo de esta artista. Qué se le va a hacer; si yo soy de los que aplauden Anticristo a la par que defienden el cine de José Luis Garci; si prefiero leer antes a Fernando Fernán Gómez que a Murakami. Si es que soy de un rarico…

Enemigos públicos

2009-09-09T13:59:00.000-07:00

El director Michael Mann transfigura al gánster John Dillinger en bandido romántico, agresivamente hermoso en su imposible intento de desestabilizar ese sistema capitalista que, a fecha de hoy, se antoja bestia despiadada para más de un despistadillo atrapado en sus insensibles fauces. El personaje de Johnny Depp atenta contra las temibles instituciones bancarias cual émulo de Robin Hood de principios de un siglo, el XX, que ha sido testigo de dos guerras mundiales de las que dependía el futuro de ese mundo supuestamente libre, el nuestro, que defendieron los mismos soldados que custodian a Dillinger en una sintomáica escena de la película.

Tras el personaje de Johnny Depp late la sociopatía del asesino a sueldo de esa otra gran obra de Mann que es Collateral, donde Tom Cruise encarna a otro de los grandes reos de muerte de la poética “filmnoir” de los últimos años, que parece tomar el testigo de aquel impecable Alain Delon de El silencio de un hombre de Jean Pierre Mellville.

Enemigos públicos tiene el elegíaco tono decadente del antihéroe que camina hacia la muerte por una causa perdida y, a la par, la profesional perfección plástica a la que acostumbrados nos tiene el creador de Corrupción en Miami.

Es posible que, como ocurrió con El caballero oscuro, su estreno veraniego la aleje en el 2010 de las más importantes nominaciones, aunque opino que Hollywood tiene ganas de premiar a Johnny Depp, y que el polémico Christian Bale se quedará, una vez más, con las ganas incluso de ser nominado (tiempo al tiempo). Quizás mejor suerte corran las nominaciones a otras categorías como vestuario, montaje o incluso creación y edición de sonido (espléndidos ambos trabajos).

Enemigos públicos es una película espectacular que no debe perderse ningún buen aficionado al cine negro con ínfulas de patada testicular a los valores más establecidos y defendidos por los poderes actuales, heredados del ayer.

Ya queda poco...

2009-09-08T05:44:00.000-07:00

Queridos amigos, ya queda poco para que volvamos a tener contacto en ese pequeño espacio radiofónico del que este blog pretende ser mero complemento. En nuestro primer programa, en el que analizaremos el cine del periodo estival, le propondré a Belén Vicente una partida de póker. Mi cuarteto es el siguiente: Enemigos públicos y Anticristo (que forman una estupenda pareja, cada cual en su especie) junto a Harry Potter y Exorcismo en Connecticut (que han sido dos de los bodrietes que me he tragado durante las vacaciones).

La verdad es que ha sido éste un veranillo bastante lamentable en tanto en cuanto a la cuestión cinematográfica se refiere, rematando la jugada ese Mapas de los sonidos de Tokio (ya saben ustedes que yo no soy muy devoto de doña Isabel Coixet), si bien nos ha salvado de la quema una película que les recomiendo a pesar de que llega con retraso a nuestras pantallas: Frozen river. Pero de todo esto y de mucho más hablaremos a partir del viernes o, en este blog, a partir de mañana mismo (prometo volver a sacudirme mi natural tendencia a la pereza).

Besicos “freaknéfilos”.

Anticristo

2009-08-22T04:43:00.000-07:00

Si algo caracteriza a Lars von Trier es el intento de crear un cine inusual, que escape a la maldición de lo manido obviando recursos discursivos tópicos. Ya sea a través del preciosismo de El elemento del crimen o gracias a propuestas primitivistas (Los idiotas), no podemos negar que el cine de Lars von Trier atrae por su condición de opción alternativa, radicalmente original y, por ende, diferente. Quizás sea también por ello por lo que su obra repele a buena parte de un público y de una crítica que entienden la exploración artística como un intento condenable en tanto en cuanto ejercicio de autoproclamación de cineasta genial, de falta de modestia. Es obvio que quien esto escribe prefiere sin embargo a los cineastas con marcada personalidad, que optan por romper esos moldes creados por repetición y convención aun a riesgo de facturar el más absoluto de los desastres. Pero, claro, sin este curioso tipo de artista experimental no tendríamos ni Un perro andaluz de Buñuel, ni La dama de Sanghai de Welles, ni el Vértigo de Hitchcock, ni la Persona de Bergman, ni el 2001 de Kubrick o el Sacrificio de Tarkovsky (a quien, por cierto, está dedicada la película de la que vamos a tratar). Qué quieren que les diga, no reniego de una película para pasar el rato como Virgen a los cuarenta, pero si me dan a elegir entre ésta o el Inland Empire de Lynch…

Dicho lo anterior, si algo comenzaría diciendo de Anticristo es que es una película de imágenes poderosas, de planos elaborados que cautivan o impactan, sin caer en la vulgaridad: desde su cuidado prólogo en blanco y negro y a cámara lenta (que nos retrotrae al exquisito Lars von Trier de Europa) pasando por sus hermosas imágenes oníricas (en las que late la belleza plástica tanto de El Bosco como de los grandes pintores del periodo romántico) hasta llegar a planos tan perturbadores que parecen rendir culto al “gore” japonés extremo. Anticristo es hermosa por su necesaria pluriformidad estética, por su lógica naturaleza audiovisual postmoderna a pesar de que, por vocación, hunda sus raíces en el cuento folklórico, exponiendo sobre la pantalla los más atávicos de los miedos (de ahí la constante presencia de elementos telúricos).

Lars von Trier nos sirve una película de terror sin sustos, que se aleja de los recursos convencionales (y cansinos) del género, pero no de su poética. Su concepción del horror funciona a un nivel más profundo y complejo, trascendente, de obvias reminiscencias jungianas. Por ello, su ritmo es lento, más cercano al de una elaborada tragedia griega (téngase en cuenta la versión de la Medea de Eurípides que Von Trier facturó para televisión) que al de una película de género al uso.

Al parecer, en Cannes fue abucheada. No comparto los abucheos, pero sí que los entiendo.

Arrástrame al infierno

2009-08-16T00:02:00.000-07:00

Arrástrame al infierno supone el esperado regreso de Sam Raimi al cine de terror (aderezado con sus habituales toques humorísticos). Arrástrame al infierno es a Evil dead lo que un estilizado cuento de Poe al relato oral folklórico narrado en noche invernal ante el fuego. Aquí ya nadie encuentra la cabaña de los ogros del bosque sino que el cuento se estiliza y deviene en crítica a ese capitalismo atroz que es capaz de conducirnos al inframundo. Arrástrame al infierno se degusta tan ligera como una colección de viñetas de Bernie Wrigthson, dejándonos el agradable sabor de un producto sofisticado en su sencillez.

Una pequeña pieza de orfebrería.

Bodriete de verano

2009-08-08T03:26:00.000-07:00

Sustos previsibles y trillados en un refrito cuyo mayor pecado es tomarse demasiado en serio a sí mismo. Peter Cornwel está a años luz de la broma macabra que Sam Raimi nos brinda con la otra propuesta fantástica de la cartelera veraniega: Arrástrame al infierno. Su Exorcismo en Connecticut pierde por K.O. en el primer asalto si se mide con otras propuestas de casas encantadas más o menos recientes: desde el clásico de Robert Wise al Poltergeist de Tobe Hooper, sin olvidarnos de las diversas versiones protagonizadas por el maligno caserón de Amityville. Todo está ya demasiado visto y mucho mejor resuelto en otras películas, por lo que este pobre espectador ha sentido más la amenaza del bostezo que el agradable abrazo de la inquietud durante la insufrible hora y media de proyección; si bien reconoce que se ha carcajeado un rato con la explícita dosis de moralina católica ortodoxa final. ¡Venga ya, hombre!

Qué falso es el cine

2009-08-07T11:45:00.000-07:00

Bueno, pues tras unos cuantos días de caribeñas vacaciones vuelvo a ponerme frente al teclado para activar dedos y neuronas. Como podéis observar, en la foto se aprecia uno de los restos arqueológicos mayas, civilización a la que rindió homenaje Mel Gibson en Apocalypto. ¡Y de lo que se entera uno viajando! Resulta que la península del Yucatán se formó hace la tira de años, cuando el meteorito que acabó con los dinosaurios cayó sobre nuestro planeta. Al parecer, del impacto surgió una enorme superficie coralina que, en contacto con la lluvia ha ocasionado una espesa selva rica en pozos de agua (cenotes) pero carente de ríos y montañas. Es decir, que lo de los indígenas arrojándose cascada abajo o lo de los planos generales con montañas envueltas en bruma no obedece a realidad alguna sino al capricho del amigo Mel. ¡Qué bonito que es el cine! ¡Y qué de mentirijillas!

El vagón de la muerte

2009-07-15T12:48:00.000-07:00

Directamente a DVD llega a España la última incursión de Clive Barker en el mercado del audiovisual: El vagón de la muerte (cuyo cárnico título original es The midnight meat train). Cuando comenzó a rumorearse la gestación de esta película, todo apuntaba a que iba a suponer el retorno de Barker a la dirección cinematográfica. Pero, finalmente, la tarea recayó en Ryuhei Kitamura (Versus, Alive, Azumi), quien ha sabido plasmar con eficacia el perturbador universo del creador de Hellraiser.

No tenemos aquí personajes en busca de nuevas experiencias que utilizan extraños cubos para abrir puertas dimensionales; pero toda la película gira en torno a la fascinación por lo prohibido (una de las constantes de la obra de Clive Barker). El fotógrafo protagonista de la película (un convincente Bradley Cooper) descenderá paulatinamente a los infiernos, en busca de esa instantánea definitiva, adentrándose en parajes de misterio y experiencias extremas dignas de las torturantes propuestas de Pinhead. El ser humano como explorador de los convencionales límites que lo circundan, mordiendo con aterradora pasión los prohibidos frutos de un paraíso que se torna infierno. La literatura de Barker, de obvias reminiscencias religiosas, plantea en clave fantástica la tragedia del hombre en proceso de mutación, perdiendo su dicha al alcanzar conocimiento. Puro existencialismo (repárese en la formación filosófica del escritor) adornado con una atractiva patina esotérica que, en el caso de la película que nos ocupa, Ryuhei Kitamura plasma en imágenes impactantes, dignas de manga extremo.

No os la perdáis.

Paintball

2009-07-14T09:53:00.000-07:00

En las habitualmente sosas carteleras veraniegas suele haber inesperadas sorpresas. El año pasado una película menor titulada Venganza y protagonizada por Liam Neeson (aunque creo hubiera sido perfecto vehículo para Jean Claude Van Damme) consiguió atraparme tal y como hace escasas horas lo ha hecho Paintball, la última propuesta de la Filmax en tanto en cuanto a cine de terror se refiere.

Un frondoso bosque sirve de inquietante marco de fondo a una película influida por títulos tan aplaudidos como Deliverance o El proyecto de la bruja de Blair. Daniel Benmayor ha aprendido bien en el campo de la publicidad (donde se ha forjado como realizador) a mantener el suspense y a crear momentos impactantes con una nada desdeñable imaginación que suple la falta de recursos. Así las cosas, la inusual propuesta de la película comienza a funcionar desde sus primeras escenas (complejos planos secuencia espléndidamente rodados) y, a pesar de que el interés decae en algunos momentos puntuales, termina convenciendo gracias a sus magníficos veinte minutos finales. Estéticamente, Paintball se adscribe a la moda de títulos rodados cámara en mano como Rec (otro gran éxito de Filmax), si bien, en esta ocasión, apenas hay un uso sistemático del plano subjetivo. Si que sin embargo se parece a la obra maestra de Balagueró y Plaza al no terminar de explicar claramente el enigma sobre el que se fundamenta la acción (lo que no deja de ser una de las reglas de oro del género).

Inteligencia y buen hacer para una muy estimable ópera prima que confirma el buen cine de género que últimamente se cultiva en nuestro país. No os la perdáis.

Yo no soy tonto

2009-07-13T06:03:00.000-07:00

¡Como un zombi surgido de película de Romero! Así se abalanzó sobre el pobrecillo cliente que esto escribe la guardia de seguridad de Media Markt. Por fortuna no mordió mi cuello sino que su agresividad iba dirigida al interior de unas bolsas que yo portaba. A pesar de que suelo pagar todo lo que compro, me resistí a enseñar lo que mis bolsas contenían; pero la de seguridad insistió y, por no llegar a mayores conflictos, accedí.

Dada mi afición al cine, soy cliente del susodicho establecimiento desde su apertura, pero, debido a las tremendas sospechas que últimamente despierto, no voy a ser tan tonto como para continuar pagando parte del sueldo de quienes muestran tamañas descortesías para conmigo. En un centro comercial hay muchos establecimientos, por lo que es habitual que uno entre en una tienda con compras efectuadas en otra. Puras normas del juego capitalista. ¿Es ético sospechar de todo quisque y factible molestar a quienes salen sin pasar por caja? Seguro que al respecto hay opiniones diversas, pero resulta obvio que no es estético y que daña la imagen tanto del comercio en cuestión como del sorprendido cliente (yo mismo en este caso).

Posiblemente esté equivocado, pero el personal de seguridad debe velar por el bienestar de la clientela y, obviamente, parar a quien corresponda cuando se tenga la certeza de que el hurto se ha producido (no por vulgar norma). Sin embargo, hay quien por llevar un uniforme de empresa privada (otra cosa es el uniforme oficial de las fuerzas de seguridad del Estado) se cree con el derecho de importunar a cualquiera para fisgar en la intimidad de sus bolsas. Imagino que lo pertinente hubiera sido presentar una denuncia, pero, qué caramba, llevaba prisa y ganas de gastar ese dinerito rico que, por supuesto, va a dejar inmediatamente de engrosar las arcas de quienes me tocan lo que no deben.

Mil gritos tiene la noche

2009-07-09T04:54:00.000-07:00

En esta ocasión dedico breves palabras a otro de los títulos de mi extraña colección en VHS. Un clásico del cine fantaterrorífico (como diría Paul Naschy) español: Mil gritos tiene la noche, dirigida en 1982 por el gran Juan Piquer Simón. Estamos ante una tópica película de ambiente juvenil (la trama transcurre en un campus universitario) cuyos protagonistas van muriendo de uno en uno. Mil gritos tiene la noche sigue en este sentido la estela de Viernes 13, si bien su singular asesino va armado de una sierra mecánica (reminiscencia de La matanza de Texas), lo que da lugar a una antología de escenas fuertes que elevan la película a la categoría de obra de culto del “gore”. Pero el pastiche no termina ahí, semejanzas con el Psicosis de Hitchcock (y con La residencia de Narciso Ibáñez Serrador) terminan de aderezar un entretenido producto con un sorprendente final (gran susto incluido) que liga la película a los terrenos del fantástico (inesperada venganza de ultratumba).

Mil gritos tiene la noche fue un éxito en taquilla tanto en España como en el mercado internacional (en Estados Unidos obtuvo, junto con Slugs, uno de los mayores éxitos de su director). A Juan Piquer le debemos otros irrepetibles títulos (que también reposan en los estantes de mi videoteca en VHS) como Supersonic Man, Misterio en la isla de los monstruos, La grieta o La mansión de Cthulhu. Auténtico y delicioso cine de barrio que, desde este blog, invito a recuperar.

Inframan

2009-07-08T07:53:00.000-07:00

En la foto adjunta, mi copia en VHS de Inframan, película de 1975 de la Shaw Brothers que me entusiasmaba de pequeño… y de mayor. Inframan es un extraño personaje cibernético creado por un doctor para afrontar una mortal invasión alienígena. La película es una imparable sucesión de luchas entre el héroe que da título al espectáculo y una caterva de monstruos digna del más carpetovetónico de los imaginarios. Una película de acción fantástica de artes marciales, pura serie B filmada, eso sí, en formato “scope”, y con un uso del color que le da un aspecto “kitsch” absolutamente irresistible hoy por hoy. Si no habéis tenido jamás oportunidad de verla, no os la perdáis: un clásico absoluto de la “freaknefilia” y todo un antecedente de Bioman o los Power Rangers magníficamente dirigida por Shan Hua.

Terror en el mar Egeo

2009-07-06T21:38:00.000-07:00

Y seguimos con nuestros articulillos dedicados a esas películas de culto que acabo de rescatar de mi polvorienta videoteca. En esta ocasión le toca el turno a Gomia, un clásico de 1980 firmado por Joe D’Amato que se tituló en nuestro país Terror en el mar Egeo. La película también obedece al nombre de Antropophagus, dado que el enloquecido asesino de la misma tiene un insaciable apetito de carne humana. Esta película se vincula por méritos propios al cine más sensacionalista y morboso del momento. Es un título excesivo y de gratuita violencia, y en ello radica su valía, puesto que de lo contrario sería un insufrible tostón. A pesar de algunos aciertos de su fotografía, planificación y puesta en escena, no estamos ante un ejemplo de cine de terror poético, contenido y elegante, sino ante una propuesta impactante y explícita. Entre sus exquisiteces destacan un feto arrancado y devorado por el loco caníbal y, sobre todo, su delirante final; cuando el enloquecido antropófago devora sus propias vísceras en un acto de insania demencia que sin duda inspiraría las mejores pesadillas de Clive Barker.

Por otra parte, el esquema argumental de la película es tan tópico como el de los excursionistas jovenzanos que llegan a un inhóspito lugar donde serán masacrados por turno. ¿Les suena? Pero todos sabemos que en este tipo de películas el guión es lo de menos. Joe D’Amato, inteligentemente, se sirve de esta premisa para servirnos lo que queremos: puro “gore” a la italiana. ¡Al dente! ¿Para cuándo un ciclo al respecto en nuestra Filmoteca?

Si tenéis ocasión de verla (y no precisamente en la Filmoteca). No os la perdáis.

Y mañana… ¡Más!

Dawn of the dead

2009-07-06T03:09:00.000-07:00

Una de las joyas de la corona. Mi copia de Dawn of the dead (1978) que adquirí en un puesto para coleccionistas del Festival de Sitges hace ya bastantes años. Como ya saben nuestros oyentes, me gusta recomendar películas para los jóvenes curiosos, así que, si todavía no habéis disfrutado de este clásico de George A. Romero, no dudéis en hacerlo. Posiblemente seréis fans del excelente “remake” dirigido por Zack Snyder, pero siempre es bueno conocer los orígenes para mejor disfrutar de los descendientes. Dawn of the dead (Amanecer de los muertos) se estrenó en España, tal y como decíamos ayer en este blog, con el título de Zombi. Esta versión para el mercado europeo fue montada por Dario Argento, con música de Goblin (el grupo de rock sinfónico que facturó algunas de las mejores bandas sonoras de sus películas). Zombi, a diferencia del montaje norteamericano, dura alrededor de cien minutos. La copia en VHS que aparece en la fotografía es sin embargo el montaje del director de la película, con una banda sonora distinta. ¿Cuál de las dos es mejor? Cualquier buen aficionado debe ver las dos versiones, pues estamos ante uno de los grandes clásicos de la Historia del Cine Fantástico, la gran producción zombi por excelencia. El montaje de Argento es más dinámico y contiene planos explícitos que desaparecen en el montaje de Romero. Pero el montaje de Romero es mucho más largo (unos ciento cuarenta minutos) y contiene escenas que no aparecen en la versión de Argento (la más famosa es la del zombi que pierde su cráneo gracias al efecto de las aspas de un helicóptero). Es decir, que la versión definitiva y esencial sería una mezcla de ambas.

Imagino que, hoy por hoy, ver el montaje de Romero a través de Internet será bastante sencillo. En España, la versión de Argento está al alcance de cualquiera en los establecimientos habituales. Personalmente os recomiendo el estuche metálico (cargado de extras) que contiene las tres primeras partes de la saga. La noche de los muertos vivientes es un clásico y El día de los muertos no tiene nada que envidiar a Zombi. Si os gustan (que os gustarán) podéis también comprar la excelente cuarta parte (La tierra de los muertos vivientes) y, dentro de muy poquitos días (el ocho de julio), El diario de los muertos. El diario de los muertos es la quinta parte de la saga y una de las mejores películas de George A. Romero. Tras su problemática distribución cinematográfica en nuestro moderno país sale ya a la venta en DVD.

Y recordad: "When there is no more room in hell... the dead will walk the earth."

Y mañana... ¡más!

Nueva York bajo el terror de los zombi

2009-07-05T03:21:00.000-07:00

Después de unos días de asueto en tanto en cuanto a actualización de este blog se refiere, vuelvo a la carga con una serie de breves artículos dedicados a algunas piezas de mi colección “freaknéfila”. Hete aquí que, por motivos de mi mudanza hogareña, he tenido que desempolvar un buen montón de películas (en formato VHS) a las que he decidido rendir un pequeño homenaje. Todas ellas pertenecen a ese pasado inmediato en el que conseguir ver una rareza no era cuestión de teclear nombres en el eMule. Había que cartearse con coleccionistas, patearse rastrillos o inmiscuirse en la trastienda de videoclubes diversos. Como puede distinguirse en la foto, Nueva York bajo el terror de los zombi pertenecía a uno de los locales más surtidos de Zaragoza: el videoclub Almozara. Tenía una impagable sección de películas fantásticas y de terror para alquilar a precios muy baratos o, por un poco más de dinerillo, comprar. Tras sencillas negociaciones me hice con esta copia de uno de los incontestables clásicos de Lucio Fulci (maestro del fantástico y del “gore” europeo).

Nueva York bajo el terror de los zombi se produjo gracias al éxito del clásico de George A. Romero, Dawn of the dead. Dawn of the dead fue estrenada en Italia y España con el título de Zombi, debido a lo cual la película de Fulci se tituló en su versión original Zombi 2. Sin embargo, en España, fue estrenada como Nueva York bajo el terror de los zombi, a pesar de que tan solo el prólogo y el epílogo transcurren en dicha ciudad. Casi toda la trama se ubica en una remota isla. Sin alcanzar la taquillera rentabilidad de la película de Romero, la película de Fulci fue un éxito. Dentro de su impactante catálogo de imágenes se encuentra una de las más aclamadas escenas del “gore” europeo (la lenta y torturante incrustación de una astilla de madera en el globo ocular de una de las protagonistas), aunque yo prefiero quedarme con una de las escenas más carpetovetónicas e imaginativas de la Historia del Cine (la lucha de un tiburón y un zombi en el fondo del océano). ¡Sí, han leído bien!

La película está editada en DVD, aunque verla con la textura característica del VHS (con algún que otro salto de imagen) tiene su halo de nostalgia. Quien quiera recuperar este título, fundamental para todo “freaknéfilo” que se precie, no dude en hacerlo; no lo lamentará. Para disfrutar sin prejuicios intelectualoides en una soleada tarde de verano, frente al televisor, con un buen café con hielo (o mejor compañía) al lado.

Como nota final, decir que la película tuvo una continuación, Zombi 3 (esta sí que se distribuyó en España con dicho título). Según Fulci me dijo (sí, estoy presumiendo de haberlo conocido, poco antes de su muerte, por cierto), Zombi 3 era su peor película; aunque, como curiosidad, era la primera vez que los terribles zombis se atrevían a corretear y dar algún que otro salto (mucho antes de las aclamadas películas de Dany Boyle o Zack Snyder).

Y mañana, más...

Tetro

2009-06-27T04:27:00.000-07:00

Con un título tan enigmático (apócope del apellido Tetrocini), se lanza Francis Ford Coppola hacia los pantanosos terrenos de la creación artística como tema central de su más personal proyecto. Tetro es una de esas películas que, ante todo, destilan belleza. Su trama no está sujeta a una narrativa audiovisual canónica, pues Coppola apuesta por la creación de atmósferas, suspendiendo los recursos convencionales a favor de un insólito vehículo cinematográfico que explora los poéticos (y tormentosos) terrenos de lo mágico. Posiblemente Tetro trate del drama de una familia de artistas, exponiendo un tenso cuadro de personalidades enfrentadas; pero opino que todo ello sirve de excusa a Coppola para desarrollar un discurso acerca de los avernos a los que el artista desciende para dar fondo y forma a la belleza. El Tetro protagonista de la película (un impecable Vincent Gallo) encarna al ángel caído que desde las cimas de su desesperación gesta la inmortal obra de arte. El genio al que le es indiferente el reconocimiento, tan solo apasionado por esa expresión perfecta de su angustia vital que, paradójicamente, generará una obra reverenciada. Coppola se la juega, como tantas otras veces, jugando al artista maldito. Tetro es un suicidio a nivel comercial y una resurrección a nivel artístico; una película tan desafortunadamente maravillosa como en su momento lo fueron Apocalypse now o Corazonada.

No se la pierdan.

Terminator: Salvation

2009-06-23T07:59:00.000-07:00

Impecable factura técnica para esta nueva entrega de Terminator. Cine vibrante, espectáculo puro donde prima el efecto especial y el hallazgo técnico por encima, afortunadamente, de todo lo demás. McG dirige como nadie un producto que se ajusta perfectamente a lo esperado, orquestando una serie de antológicas escenas de acción que recuerdan tanto al universo gestado hace veinticinco años por James Cameron como a los más brutales videojuegos de última generación. El sonido es atronador, el montaje perfecto, la fotografía deslumbrante, Christian Bale aporta a la galería un John Connor a la altura de las circunstancias pero Sam Worthington se hace el amo del cotarro con un personaje que es todo un caramelo.

La crítica no la ha terminado de digerir pero me arriesgo a decir que es todo un clásico del cine de ciencia ficción de comienzos de siglo. Tiempo al tiempo.

La última casa a la izquierda

2009-06-22T10:56:00.000-07:00

Dentro de poco tiempo se estrenará una nueva versión de uno de los grandes clásicos del cine de horror de los años 70: La última casa a la izquierda. Si en su momento la película de Wes Craven ofrecía una rompedora radicalidad, un retrato casi documental (desnudo de adorno) de un depravado crimen y su posterior venganza, la nueva propuesta, firmada por Dennis Iliadis, no solo no aporta nada nuevo sino que dulcifica innecesariamente los contenidos.

Similares propuestas estéticas (y temáticas) a las que planteaba Craven en los inicios de su carrera tuvieron cierta relevancia en los años 70, década clave para emergentes talentos de la industria cinematográfica norteamericana que acabaron facturando productos (y ganando algún que otro Oscar) mucho más complacientes para con la mentalidad capitalista; mucho más dispuesta a producir, como es lógico, películas sin atisbo de inconformiso, modelos de ficción a imitar en nuestras vidas reales (no hay que olvidar que el cine es un hábil sistema de colonización intelectual, que inculca valores y pretende incluso enseñar la manera de amarse).

Hoy por hoy, Wes Craven ha quedado engullido por la industria cinematoráica más convencional; y maneras distintas de entender el cine (y la vida) como, por ejemplo, la “nouvelle vague”, son fenómenos a estudiar en universidades (¿hace cuánto que no se estrena una película de Godard en salas comerciales?) Lo peor viene cuando los que presumen de críticos de cine corren a ver Una conejita en el campus mientras que aborrecen la última propuesta de Lars von Trier. Y así nos va…

El tío Tobe

2009-06-03T12:36:00.000-07:00

Tras disfrutar esta misma tarde , y por enésima vez, del clásico de Tobe Hooper, La matanza de Texas (en esta ocasión, con los ansiados audiocomentarios) tengo a bien reproducir aquí un artículo que dediqué a este director por el que siempre he sentido admiración pero también simpatía: mi querido tío Tobe. ¡Vamos a ello!

¿Es Tobe Hooper un maestro del horror? ¿Pueden ser calificados de maestros todos los directores seleccionados para dirigir algún episodio de la saga para la que Hooper ha realizado uno de sus últimos trabajos: Masters of horror? ¿Acaso no tienen aún que demostrar su valía directores como Rob Schmidt, Lucky McKee o Brad Anderson? Sí que es cierto que los tres tienen en su haber una buena película de género, Km. 666 (Schmidt), May (Lucky McKee) y The machinist (Brad Anderson), pero, indudablemente, ninguna es un icono del calibre de La noche de los muertos vivientes (de Romero, quien no ha dirigido capítulo alguno para Masters of horror), Pesadilla en Elm Street (de Craven, que tampoco ha trabajado en la serie) o Videodrome (de Cronenberg, que no ha prestado servicio alguno ni en la primera ni en la segunda temporada). Indudablemente, nadie puede negar el calificativo de maestro del horror a Dario Argento, John Carpenter o Stuart Gordon, y creo que es juicioso colocar a su lado al prolífico Takashi Miike. Ahora bien, ¿todas las películas de estos autores son excepcionales? Evidentemente, no. En toda filmografía existen mejores y peores películas, o títulos que nos agradan más o menos por un motivo u otro. En el caso de Argento, ni Non ho sonno (titulada Insomnio en España) ni Ti piace Hitchcok? (inédita en nuestro país) están a la altura de Rojo oscuro, Inferno o Suspiria (tres impagables obras maestras que elevan a Argento a la categoría de autor), pero lo que nadie puede negar es que Argento ha permanecido fiel, siempre, al género, y títulos como El jugador, El síndrome de Stendhal o El fantasma de la ópera tienen un nivel más que aceptable, por no hablar de las magníficas Tenebre, Phenomena o El pájaro de las plumas de cristal. Por su parte, John Carpenter marca un antes y un después en el cine de terror con Halloween, creando un subgénero (el “slasher”) y un personaje mítico (Michael Myers), y solo por eso debería ya ser tenido en cuenta. Pero Carpenter tiene en su haber más clásicos del género como La niebla o La cosa, y, al igual que su amigo Argento, siempre ha permanecido fiel al género (1997: rescate en Nueva York, Christine, El príncipe de las tinieblas, Están vivos, En la boca del miedo, Vampiros, Fantasmas de Marte…). Stuart Gordon impactó con Re-Animator, a la que siguió la no menos interesante From Beyond (titulada Re-Sonator en España), dos adaptaciones libérrimas de su admirado H.P. Lovecraft, cuya literatura sutil y sugerente fue transformada en un divertido festín sanguinolento y disparatado. Pero Gordon, reinventando o no a Lovecraft, ha permanecido fiel al género, con mayor o menor fortuna, tal y como demuestran Fortaleza infernal o Space truckers (dos buenas películas), así como su Dagón (bodrio infumable, en el que vuelve a lovecraftiano terreno, que algunos aficionados sobrevaloran inexplicablemente) y su Daughter of darkness (otro fiasco, a pesar de que contara con la presencia de Anthony Perkins). Pero en los últimos años, Gordon ha brindado dos joyas, si bien más cercanas al cine negro que al terror, aunque no carentes de elementos morbosos y violentos: King of the ants y Edmond (dos títulos que os recomiendo fervientemente y que podéis conseguir en DVD). ¿Y qué decir de Takashi Miike? Quienes sigan de cerca a este creador impagable habrán descubierto a uno de los cineastas más originales, extremos, elegantes, radicales, sobrios, enloquecidos y contenidos (todo a la vez o por separado) de los últimos años. Miike es capaz de reinventarse a sí mismo a cada nuevo título (sea trabajo para cine, televisión o video, con más o menos presupuesto), sin perder jamás ese personal sello que imprime a cada uno de sus inclasificables trabajos. Audition, Dead or alive, Gozu, Deadly outlaw rekka, Izo, Visitor Q, La felicidad de los Katakuris, Zebraman, Yokai daisenso, Ichi the killer son algunos títulos de una amplia filmografía que no dejará indiferente a nadie.

Dicho esto, retomamos la pregunta: ¿Es Tobe Hooper un “master of horror”? Indudablemente, sí. Hooper, como es sabido, irrumpió en los años 70 con un clásico incuestionable: La matanza de Texas (1974). Tres años después, el director siguió en el camino de la serie B, fiel a las atmósferas insanas, los parajes decrépitos y los asesinos delirantes. El resultado, Eaten alive (también conocida como Death trap), una especie de puesta a punto del psicosis de Hitchcock (motel incluido) que no daba la espalda a la moda de las bestias carnívoras (un cocodrilo enorme hacía de las suyas, siguiendo la estela del Tiburón spielbergiano en clave “trash”). El resultado de tan carpetovetónico popurrí es, sin duda, inferior a su clásico anterior, y ya anuncia lo que va a ser una constante en el cine del tío Tobe: la irregularidad.

Dos años después, tras ser reemplazado por John Bud Cardos en The dark, Hooper va a adaptar, magistralmente, una de las novela de Stephen King: El misterio de Salem Slot (1979). Su versión, muy superior a la que recientemente se ha realizado (perpetrada por Mikael Salomón) contiene algunos de los momentos más escalofriantes de la historia de la televisión (¿quién no recuerda el niño vampiro en la ventana, rascando el cristal, flotando en tenebrosas brumas?), siendo remontada en España (aquí somos un poco diferentes) y estrenada en cine con el título de Phantasma II (se pretendía utilizar el enorme éxito que Don Coscarelli había cosechado con su Phantasma). El caso es que Hooper gozaba de buena salud, hecho que va a confirmar dirigiendo una serie de películas espléndidas, de estilos diferentes, afines todas ellas al género. Me estoy refiriendo a Funhouse (que vuelve a los terrenos de La matanza de Texas y Eaten alive), Poltergueist (obra maestra producida por Steven Spielberg), Lifeforce (impagable actualización del género vampírico).

Si Funhouse era una película de serie B, con Poltergueist (1982) Hooper va a dar el salto al cine de alto presupuesto. Steven Spielberg va a ser su mentor y, si bien la relación que mantuvieron entre ellos siempre ha provocado innumerables chascarrillos (hay quienes afirman que la película está dirigida por el propio Spielberg), Hooper es quien aparece acreditado como director y él jamás ha contribuido a esa especie de leyenda negra que trata de las desavenencias entre ambos creadores (de hecho, no es su única colaboración con el tío Steve). Sea como sea, Poltergueist impactó a los espectadores que acudían a las salas, constituyéndose en clásico inmediato. Tras ello, Hooper pasó a trabajar para la Canon. Su primer trabajo, Lifeforce (1985), es de los mejores de su filmografía. Vista hoy, el aficionado descubrirá que algunas de sus escenas han influido de manera decisiva en clásicos recientes como 28 días después o El amanecer de los muertos. Resulta inolvidable la sensación de caos y desenfreno de sus escenas finales (con un Londres totalmente tomado por los vampiros), así como el erotismo que destilan algunos de sus planos (¿quién no recuerda a la escultural Matilda May paseando su desnudez por los pasillos de la base científica, iluminada por la luz de la luna?) y su inquietante comienzo, a medio camino entre el Alien de Ridley Scott y las propuestas vampíricas del universo Hammer.

Si, en el fondo, Lifeforce era una impactante puesta a punto de las películas de invasores alienígenas de los años 50 (recuérdese La invasión de los ladrones de cuerpos o La guerra de los mundos), Hooper va a rodar, justo a continuación, el “remake” de un pequeño clásico de 1953: Invasores de Marte. Invasores de Marte (1986) es una película divertida, a la que se la ha calificado injustamente de bodrio en más de una ocasión, posiblemente porque el fenómeno del “remake” todavía no gozaba de la naturalidad, e incluso el prestigio, de hoy. En su momento, rodar una película prácticamente idéntica al original debía de tener su importante margen de aventura y riesgo y, si bien no es una película a la altura de Poltergueist o Lifeforce, vista hoy en día mantiene bien el tipo, y trae a la memoria experimentos muy posteriores como el Psicosis de Gus van Sant. Para algunos aficionados, con Invasores de Marte comienza el declive del tío Tobe. Hay quienes afirman que tras Poltergueist ya no ha logrado una película de altura. Yo sin embargo siempre he defendido La matanza de Texas 2 (1986), que continuaba las andanzas de la familia caníbal de la película del 74. Hooper retornaba al desquiciado ambiente en el que tan cómodo parecía sentirse al comienzo de su filmografía, y regalaba al aficionado un festín desprejuiciado y salvaje, directo, que contenía toda la sangre que no aparecía, quizás por falta de presupuesto, en su predecesora. Los efectos especiales, magistrales, obra del gran Tom Savini contribuyen a lograr esos momentos de gran impacto que ya son historia del “gore”. Nunca he entendido porque a La matanza de Texas 2 se la recibió de tan nefasta manera, relegándola al baúl de los bodrios. Incluso a fecha de hoy, cuando el tiempo parece haberla colocado en el muy digno lugar que merece, hay quienes siguen manteniendo que la tercera parte de la saga (dirigida por Jeff Burr y mutiladísima en la sala de montaje) es mejor que la continuación perpetrada por el mismo Hooper. A posteriori llegarían la versión de Kim Henkel (La matanza de Texas: La nueva generación) y la versión actual y su precuela (producidas por Michael Bay y coproducidas por el propio Hooper), pero esa es ya otra historia de la que hablaremos en otra ocasión.

Tras esta gran película, es cuando, a mi entender, comienza el declive del tío Tobe, y no voy a entrar en dirimir si ha tenido o no problemas con las drogas, pues ya se sabe que el mundillo del cine y la rumorología están muy unidos. Es decir, que desconozco los motivos que hacen que el tío Tobe, desde La matanza de Texas 2, no termine de levantar cabeza; pero, al mismo tiempo, esa especie de intento constante por volver a lograr una película redonda, siempre fiel al género, despiertan mi simpatía por Hooper. No sé porqué, pero este hombre me cae muy bien y siempre estoy pendiente de todo lo que va haciendo. Cada vez que consigo lo último de Tobe Hooper lo degusto con un ansia especial y reconozco que, si bien no ha vuelto a rodar un título a la altura de Lifeforce o Funhouse, su filmografía posterior a La matanza de Texas 2 está plagada de buenos momentos o, cuan al menos, buenas intenciones.

En 1987, tras el retorno a las atmósferas cárnicas de la familia texana, Hooper comienza a trabajar cada vez más en televisión. Rueda Miss Stardust para Amazing Stories (es decir, para la factoría Spielberg, de nuevo) y No place like home para The Equalizer, serie de acción detectivesca. Si ambos trabajos no están nada mal, Hooper va a rodar el primero de sus bodrios para Las pesadillas de Freddy. Concretamente, en sus manos va a caer la dirección de un episodio que muchos “fans” esperaban, aquel que cuenta las fechorías de Fred Krueguer y su linchamiento, a manos de los padres de sus víctimas en Elm Street, antes de pasar a ser un asesino sobrenatural. Con guión de Rhet Topham, No more Mr. Nice Guy malogra uno de los momentos que podían haber pasado a formar parte de la mitología del más reciente cine de terror. Lo único a tener en cuenta es que el episodio en cuestión va a favorecer la relación entre Tobe Hooper y Robert Englund, quienes trabajaran, a posteriori, en algún título más interesante.

Tras semejante fiasco, Hooper vuelve al mundo del cine con Combustión espontánea. La película poco tiene que ver con su filmografía anterior. El esperado retorno a la gran pantalla deja totalmente indiferente al respetable. Si bien no estamos ante una mala película, Combustión espontánea no nos devuelve al Hooper de Lifeforce, ni tan siquiera al de tan denostada por algunos La matanza de Texas 2. Lejos de la espectacularidad de algunas de sus propuestas anteriores, la película se disfruta más como telefilme resultón que como producto cinematográfico de altura. Corre el año 1990 y, posiblemente, Combustión espontánea hubiera tenido mucha mayor fortuna como película de finales de los 70 o principios de los 80, si bien el tema elegido por Hooper (el popularizado fenómeno por el que un cuerpo humano se carboniza sin aparente motivo) no ha sido excesivamente tratado por el cine.

Posiblemente, la naturaleza televisiva de Combustión espontánea se deba a los trabajos que mantienen ocupado al director a principios de los 90. Del mismo año que su película para cine es un telefilme de corte fantástico que fue editado en España en video, protagonizado por Madchen Amick, y que cuenta con la colaboración, motivo publicitario en su momento, de Anthony Perkins (¡ahí es nada!). I’m dangerous tonight, título original de la peliculilla (no recuerdo el título de su versión española, directa a video) es una curiosidad para quienes gusten de completar filmografías, un trabajo menor, que no del todo despreciable, que tan solo presenta un problema: la impersonalidad tanto de su propuesta como de su realización. Similar es lo que ocurre con Haunted lives: True ghost stories, otro correcto telefilme de género, perfectamente olvidable. Si en I’m dangerous tonight disfrutábamos de la presencia de Perkins, Haunted lives está protagonizada por Leonard Nimoy, lo que no deja de resultar curioso. Mejor fortuna la de Dead wait, episodio de Hooper para la magnífica serie Tales from the crypt, protagonizado por Whoopi Goldberg y John Rhys-Davies, de la que pudimos disfrutar en España, hace años, gracias a Telecinco (si mal no recuerdo, los episodios eran emitidos durante el verano del 92, a altas horas de la madrugada). No obstante, con Dead wait, Hooper sigue inmerso en el mundillo televisivo, volviendo de nuevo al cine dos años después.

Así las cosas, en 1993 va a ver la luz Night terrors (editada en video en España con el título de Terror sin fin), un proyecto que mantuvo a Hooper entusiasmado, del que llevaba hablando bastante tiempo, pero cuyo resultado, finalmente, va a estar muy alejado de las expectativas creadas. Llevar una película adelante es un proceso sumamente complejo en el que intervienen muchos factores que pervierten las intenciones del director. Al parecer, las ideas que Hooper deseaba desarrollar en Night terrors, película inspirada en la figura y la literatura del Marqués de Sade (interpretado por Robert Englund), quedaron frustradas en su mayoría, por lo que el resultado final se antoja un delirante caos de intencionalidades ambiguas; una película absurda y fallida, de las peores de la filmografía del tío Tobe. Lástima.

Afortunadamente, con Body bags (1993), Hooper se recupera levemente de su paulatino descenso hacia los infiernos de la nulidad creativa. Quien tuvo retuvo y el maestro factura uno de los tres segmentos de la espléndida Body bags (los otros dos están dirigidos por John Carpenter). A pesar de ser, de nuevo, un trabajo para televisión, Eye (el último de los tres segmentos) es una puesta al día de Las manos de Orlac, si bien el elemento a trasplantar, en esta ocasión, es un ojo. Lógicamente, el ojo en cuestión, de desagradable procedencia, ocasionará serios problemas al protagonista de la película. Ante todo, Eye se aleja de ser un producto ambicioso; es una película sencilla y honesta que nos devuelve no al genio pero sí al buen profesional, tal y como ocurre en The mangler (1995), su siguiente película (de nuevo para cine), adaptación de un relato de Stephen King protagonizado por una lavadora asesina (de nuevo con Robert Englund como protagonista) que se degusta como un pasatiempo correcto que nada tiene que ver con la genialidad de Poltergueist, Lifeforce o La matanza de Texas. Pero The mangler no obtuvo buenas críticas y tampoco fue bien recibida por el público. Por ello, Hooper se veía nuevamente abocado a sobrevivir en el ente televisivo, lo cual tampoco está nada mal. ¿No creen? Así las cosas, entre 1995 y el 2000, el creador de Funhouse dirigirá numerosos episodios para las series Nowhere man, Dark skies, Perversions of science y The others. Durante cinco años, los “fans” de Tobe Hooper, entre los que, como creo que ha quedado claro, me cuento, estuvimos esperando su retorno a la gran pantalla.

¿Sería posible que acabara ahí el periplo cinematográfico de un tipo que había comenzado su carrera con un clásico inmediato, y que había continuado durante bastantes años manteniendo un nivel envidiable? ¿Qué le había pasado al padre de Leatherface y Pumpinkhead? ¿Sería posible que los productores hubieran perdido la confianza en alguien de su categoría? En el 2000 llegó la anhelada respuesta. Tras The apartament complex (un entretenido telefilme de 1999 que fue editado en video en España con el título de Apartamento maldito) Tobe Hooper estrenaba Cocodrilo. Lamentablemente, Hooper no ofrecía la obra maestra que ansiábamos. De nuevo, se limitana a facturar una película de mero entretenimiento, en la que una enorme bestia asesina (la que da título, lógicamente, a la película) causa el terror entre una cuadrilla de excursionistas jovenzanos. Si bien es cierto que los asuntos cocodrileros ya habían sido tratados por Hooper en Eaten alive, y que la película presenta algunos toques aislados que recuerdan el universo de La matanza de Texas, Cocodrilo es una película del montón, una elección perfecta para alquilar en el videoclub y pasar una tarde. Si bien no es tan fallida como el reciente Primeval (2007) de Michael Katleman (película que no fue estrenada en nuestra querida Zaragoza, por cierto), no resulta tan atractiva como Mandíbulas (Steve Miner,1999), y sus efectos especiales, digitales, recuerdan alarmantemente a los gráficos de la Playstation. Así que, de nuevo, el tío Tobe tenía que volver al medio televisivo, rodando capítulos para series como Night visions y Taken.

No obstante, yo seguía esperando su siguiente película. Este hombre me cae francamente bien. Tiene cara de ser un buen tipo y siempre se ha mantenido fiel al género. Además, en su filmografía tiene unas cuantas películas de mis favoritas. Lo que más me gusta de Hooper es su incansable capacidad de insistencia y, hoy por hoy, me cautivan mucho más las películas menos conseguidas de su madurez que las logradas joyas de su juventud. Las últimas películas de Tobe Hooper son como esas mujeres tan prometedoras que poco a poco nos defraudan, por las que traicionamos a la novia perfecta. Una fatal tentación en la que merece la pena caer. Tras el arrepentimiento, siempre lo intentamos de nuevo, cuales pecadores compulsivos, pues quizás tan solo nos interesen los buenos recuerdos de las malas vivencias. Así las cosas, en el 2004 Hooper va a realizar Toolbox murders, versión libre de un título anterior, estrenado en España como El asesino de la caja de herramientas (la versión de Hooper se estrenó como La masacre de Toolbox, si bien Toolbox no es ningún lugar, sino una caja de herramientas).

Toolbox murders fue una de las últimas películas que vi en el extinto cine Mola. Recuerdo que fue en un primer pase, el primero del día del estreno, y tan solo estábamos dos personas en la sala. Yo, que suelo ponerme en primeras filas, y un vagabundo y todos sus utensilios (bolsas repletas de extraños objetos incluidas) al fondo. El que Toolbox murders tan solo llamara la atención de dos espectadores en una ciudad tan cinematográfica como Zaragoza decía muy poco a favor de Tobe Hooper, o quizás decía muy poco a favor de tan cinematográfica ciudad. Aunque tan solo fuera porque era la última obra del autor de La matanza de Texas, el Mola debería de haber estado lleno. Pura lógica. En España, país en el que la exhibición deja mucho que desear, desde Invasores de Marte (1986), los distribuidores no habían estrenado en cine ninguna película de Hooper, ni siquiera La matanza de Texas 2, que había salido directa a video. Aquello era una gran oportunidad para los espectadores, y más tratándose de una ciudad como Zaragoza, en donde la distribución aún deja más que desear si nos comparamos con otras ciudades (y no me estoy refiriendo a grandes urbes). Pero, la realidad es la realidad, y tan solo estábamos dos en la sala (luego nos quejaremos, en plan cultureta, de que nos cierran los cines y de que tan solo podemos ver la película de turno en todas las salas de la ciudad). Pero esa es otra historia.

Toolbox murders no me gustó demasiado, pero dejó en mí esa sensación que se siente al despertar de un sueño extraño, como si de una pesadilla de lo más bizarra se tratara. Esperaba algo muy distinto y al condicionarme no terminé de darme cuenta de que aquellas imágenes destilaban maestría. Afortunadamente, esa sensación de la que hablo me hizo comprar la película en DVD en cuanto fue editada (poco tiempo después) y fue entonces cuanto descubrí que si bien Toolbox murders no era una película tan perfecta como Funhouse, sí que devolvía al Hooper de la primera época. En Toolbox murders hay mucho de ese infernal universo, en donde el miedo es carne y cadáver, que Hooper concibió en esa primera etapa de su filmografía. El horror se alberga en el interior de la propia casa como la familia tejana de su clásico del 74 o los fantasmas spielbergenos de Poltergueist. Algunas de las escenas finales recuerdan los geniales interiores de la guarida caníbal de La matanza de Texas 2, e incluso nos retrotraen a los parajes delirantes de la barraca de feria de Funhouse. Toolbox murders no es una gran película, pero sí que es un título interesante, que todo “freaknéfilo” que se precie debe ver si no lo ha hecho ya. Incluso el “freaknéfilo” avezado establecerá relaciones entre la película de Hooper, el Inferno de Argento, La semilla del diablo de Polansky y, sobre todo, la relación entre Hollywood y el esoterismo, que tan bien estudiada ha sido por Jesús Palacios en Satán en Hollywood (libro de grata lectura).

A escala internacional, Toolbox murders debió de funcionar relativamente bien, pues justo al año siguiente Tobe Hooper estrenaba su siguiente película: Mortuary (2005). Las fotos que iban apareciendo en Internet prometían mucho, pues eran ricas en elementos “gore” y los zombis presentaban un aspecto de lo más atractivo. En España, Mortuary no se estrenó (vistos los resultados en taquilla de Toolbox murders tampoco es de extrañar) y la película salió directamente a video. A pesar de su interesante comienzo, de esa pasión por lo sucio y lo corrupto que Hooper sabe imprimir en las primeras escenas, finalmente la película aburre. Los elementos de carácter adolescente lastran la eficacia de una trama que tampoco se antoja excesivamente interesante y la acción tarda demasiado en comenzar. De nuevo, una película, a mi gusto, fallida. Pero no nos equivoquemos, al decir todo esto de Mortuary no pretendo condenar la película. Mortuary no es un bodrio. Al año se estrenan en nuestra ciudad películas muchísimo peores. La película de Tobe Hooper es una película fallida de un cineasta magnífico; así, puede ser disfrutada como un pasatiempo, una curiosidad intrascendente, muy superior sin embargo a auténticos bodrios infames como, por ejemplo, las recientemente estrenadas por estos lares: El elegido, Jindabyne o Cuatro minutos.

Tras Mortuary, y por el momento, Hooper ha llevado a cabo dos nuevos, aunque nada desdeñables, trabajos para la televisión: Dance of the dead (para la primera etapa de Masters of horror) y The damned thing (para la segunda etapa).

Dance of the dead cuenta, de nuevo, con la presencia de Robert Englund (imagino que tanta colaboración se debe ya a una cierta amistad y, evidentemente, una admiración mutua entre actor y director). Estamos ante una fantasía futurista de alto contenido erótico bizarro. Un telefilme atípico y algo surreal plagado de elementos morbosos que crean la misma sensación de extrañeza que Toolbox murders. No es de lo mejor de la primera temporada de la serie, pero está por encima de otras propuestas.

The damned thing recuerda, por esa sensación de caos que pretende crear, a Lifeforce. Tras un prólogo impactante, Hooper juega con un buen número de personajes, que se violentan, tocados por un extraño ente, los unos contra los otros. Pero el tío Tobe resuelve con eficacia una trama difícil de adaptar a la pantalla, si bien el resultado final se antoja más impersonal que Dance of the dead. The damned thing tampoco es de los mejores episodios de la segunda temporada, pero, tal y como ocurre con Dance of the dead, el telefilme de Hooper resulta superior a los de otros creadores.

A fecha de hoy, Tobe Hooper se encuentra embarcado en la adaptación, de nuevo, de una novela de Stephen King: Buick 8. En principio, la película iba a ser dirigida por George A. Romero pero, finalmente, el timón ha sido tomado por Hooper. En cuanto a su trabajo para televisión, si casi con total seguridad su nombre aparecerá en la tercera temporada de Masters of horror, también trabajará para la miniserie Ghosts. Así las cosas, nadie puede negar la fidelidad del tío Tobe al género.

¡Bravo, maestro!

Edición 35 aniversario

2009-06-02T13:39:00.001-07:00

Amigos “freaknéfilos”. La matanza de Texas, el clásico incontestable de Tobe Hooper, cumple treinta y cinco años. Los fans del género estamos de suerte, pues, por dicho motivo, acaba de salir al mercado una cuidada edición que os recomiendo. Viene cargadita de extras (por fin incluye los audiocomentarios de su director) y cuesta más bien poco: unos catorce eurillos de nada. Quienes todavía no conozcáis esta mítica película de la Historia del Cine (es decir, los más jóvenes) no dudéis en hacerlo. Un regalo estupendo para premiaros por las buenas notas (o las no tan buenas).

Si rescato de mi archivo el artículo que hace algún tiempo escribí acerca de Tobe Hooper, mañana mismo lo introduzco en el “blog” para celebrar la ocasión por todo lo alto. Mientras tanto… ¡Qué la sierra vuelva a rugir!

Vota, vota... la pelota

2009-06-01T09:31:00.000-07:00

Cambiando de canal a la caza de alguna peliculilla intrascendente asisto estupefacto al espectáculo de la campaña electoral. Veo algún que otro anuncio e interpreto que no hay contenido tras una superficie que se me antoja agresiva. Yo pensaba que lo de la política era discurso y reflexión, pero eso debía ser en los tiempos de Cicerón y Marco Aurelio, que tuvieron además a bien dejar algún que otro discursillo o meditación que este ciudadano, llevado por el despiste, ha leído. Disculpen mi retraso e ignorancia. Yo no sabía que, hoy por hoy, la cosa había cambiado tanto, que lo que se lleva ahora, en nuestra avanzada democracia, es el frenesí hiriente del vacuo discurso audiovisual. Yo esperaba que nuestros diversos representantes expusieran sus ideas, sus proyectos, tranquila y pausadamente, incluso con amabilidad; pero tan solo veo unos tipos (y unas tipas) tremendamente cabreados, que se dedican a proferir improperios con los que tratan de persuadirnos para que los votemos a ellos o, cuan al menos, vayamos a votar. Pues, en vista de lo ocurrido, prefiero seguir a la caza de la peliculilla intrascendente y, el día de las votaciones, a lo mejor me dedico a ampliar mi desfase secular releyendo alguna anacrónica inmundicia platónica.

Novelica (y peliculica) majica

2009-05-31T12:28:00.000-07:00

Estos días me he adentrado curioso en el universo del fenómeno literario de moda. La primera parte de la trilogía Millennium se me ha antojado como una novela de Agatha Christie con elementos sórdidos, pero sin ese ánimo transgresor que yo esperaba encontrar. Trama policiaca al uso (hasta tenemos el crimen perpetrado en el seno de familia pudiente) con algún que otro detalle sexual escabroso (y no escabroso) para enganchar al público. Por si acaso la fórmula falla, Stieg Larsson incluye en la narración alguna que otra referencia esotérica (y van…). En resumidas cuentas, un cóctel que se me antoja traca sin fuerza, producto de un tipo tan listo para fabricar una novela puramente comercial como tan tonto para morirse antes de amasar dividendos. Espero que, cuan al menos, alguien cercano al autor disfrute de los millonarios derechos, pues de proseguir la trilogía ya se encargará quien sea, siempre que haya lectores (más o menos “gafapásticos”) dispuestos a invertir sus euros en este tipo de zancochos.

La película es tan buena (o mala, según se mire) como la novela. Belleza sin alma. Pura broma descafeinada para saborear con el “colesterolero” deleite de una ingesta de “fast food”.

Martyrs

2009-05-18T09:37:00.000-07:00

Tras bombardear mi mente con dos petardazos insufribles que llevan por título The international y La sombra del poder, este pobre “freaknéfilo” tuvo que resarcirse de sus espirituales heridas viendo por segunda vez la magnífica película de Pascal Laugier: Martyrs. Sí, ya sé que la película no se ha estrenado todavía, pero Internet facilita maravillosas posibilidades culturales que, paradójicamente, el Ministerio de Cultura pretende erradicar (pero eso es harina de otro costal). Martyrs, segunda incursión en los resbaladizos terrenos del “fantastique” del creador de Saint Ange, es un aluvión de impactantes imágenes, un poema en verso libre y sin rima vertebrado por el pálpito de lo trágico. La sensible belleza de esta joya de la cinematografía europea surge de la radical manipulación de elementos, sin concesiones al gran público, que Laugier lleva a cabo. Del paroxismo de Martyrs surge la trascendencia y, por ende, la incómoda caricia de la catarsis. Martyrs no resulta grata porque destila dolor (no físico sino espiritual) y contagia de tristeza al respetable, pero todos sabemos que lo más hermoso no resulta bello sino sublime.

No se la pierdan.

Coleccionando

2009-05-15T07:45:00.000-07:00

Ayer me llegó por fin mi primera compra a través de eBay. Para los curiosos, diré que se trataba de una copia del clásico videojuego de la Capcom: Resident evil 2. Sí, lo presté a alguien en cierta ocasión y nunca más supe de él, así que he tenido, años después y tras estar descatalogado, que volver a comprarlo.

Aún recuerdo cuando el coleccionismo quedaba ligado a anuncios en revistas especializadas (y los posteriores carteos) o a patearse rastrillos, videoclubes, librerías de ocasión y demás. Entre mis piezas “frikis” conservo la copia pirata de Nekromantik, en VHS, procedente de Alemania y sin subtítulos; o la camiseta de su segunda parte, enviada, tras meses de espera y el desembolso de una considerable cantidad, por el propio Jörg Buttgereit. Uno podía tardar meses en conseguir la casi prohibida saga de Guinea pig, una copia de Saviour of the soul o incluso la codiciada segunda película del hoy oscarizado Peter Jackson (Meet the febles), raptada de la mesa de edición (con los marcadores de tiempo en la parte superior). Y qué decir de algunas de las inencontrables películas de Paul Naschy, que ni él mismo conservaba y que los aficionados le mostrábamos como para darle envidia. Hoy, el coleccionismo ha perdido parte de su magia, la labor arqueológica de búsqueda se limita en ocasiones a ser un buen rastreador internaútico, pero, cuando el codiciado objeto nos llega, sigue ilusionándonos.

Por cierto, ¿alguien sabe cómo conseguir la entrega apócrifa de La matanza de Texas? Llevo años tras ella.

Huella

2009-05-14T13:48:00.001-07:00

Una noche de la semana pasada, navegando a través de los latosos canales que nos ofrece la televisión, descubrí complacido que Cuatro estaba emitiendo Imprint (Huella), magistral pieza de culto dirigida por Takashi Miike, uno de los más interesantes creadores audiovisuales de nuestra actualidad. El telefilme ya había comenzado, pero bastó tan solo un plano para que recordara los buenos momentos que me hizo pasar la serie a la que pertenece: Masters of horror.

El cine de Takashi Miike es fácilmente reconocible, pues su belleza es provocativa, como una reformulación decadente de la elegancia de Kurosawa y Ozu. El cine de Miike se inscribe en la poética de lo monstruoso, en aquello que se aparta con fascinadora naturalidad de los cauces manidos de la ortodoxia. La ingente obra cinematográfica de este compulsivo creador japonés posibilita una realidad diferente, contestataria, incómoda para los paladines de lo correcto. Miike no reproduce modelos estéticos y narrativos impuestos por repetición; su obra es un soplo de aire fresco que actúa cual aliento de dragón, demoledor. No es por tanto de extrañar que Imprint (Huella) tuviera graves problemas de distribución, sufriendo censura en algunas cadenas televisivas de nuestras avanzadas sociedades democráticas.

Haciendo el "trekkie"

2009-05-09T13:05:00.000-07:00

A pesar de mi afición al género fantástico, nunca he sido un fiel seguidor de Star Trek, quizás porque vi la primera película rodada para cine siendo niño y creyendo que aquello sería como La guerra de las galaxias (me ocurrió algo similar la primera vez que vi 2001: una odisea espacial). Aquello, sin llegar a la metafísica kubrickiana, era ciencia ficción para adultos, donde el diálogo y el concepto primaban sobre la acción. A pesar de haber estado en alguna convención sobre la saga y haber visto la mayor parte de largometrajes (aunque de manera desordenada, rescatándolos a través de la televisión), he asistido a la proyección de la última entrega algo confundido (pues no conozco bien el fascinante universo “trekkie”). Lo mejor ha sido el asesoramiento de José Ángel, un amigo que también ha venido al cine y que, de repente, nos ha sorprendido declarándose fan de la saga y demostrando su buen conocimiento de la materia (incluso recitando de memoria fragmentos de la serie original, y en inglés). ¡Ahí es nada! Lo bueno que tiene conocer a amigos que saben de las cosas es que te contagian su entusiasmo, por lo que ya tengo el eMule descargando el material que me ha recomendado y ensayando frente al espejo el conocido saludo (que hoy he conseguido hacer bien por vez primera).

Por cierto, la película, precuela de la primera serie, me ha gustado mucho. Un largometraje estupendo tanto para los buenos conocedores de Star Trek como para los que se comiencen a interesar por el asunto.

Recuerdos inesperados

2009-05-08T11:38:00.000-07:00

Navegar por Internet se transforma, en ocasiones, en una inesperada visita a los abismos de la memoria. Uno escribe una palabra y, mágicamente, descubre que existe una casual relación con un hecho de su vida que creía perdido.

Alcahueteando por vez primera en eBay he descubierto que uno puede adquirir la colección completa de la revista Creepy por una módica cantidad. Qué bien lo pasé localizando, con mi padre, aquellos ochenta números que, cual tesoro, conservo. Todos los domingos por la mañana íbamos al rastro del Mercado Central, ubicado posteriormente en las inmediaciones de la plaza de toros. ¡Cuánto debo a Richard Corben, Bernie Wrightson, Sánchez Abulí y Jordi Bernet y tantos y tantos otros!

Cuenta atrás

2009-05-07T08:49:00.000-07:00

Lo de Rec 2 es puro fenómeno fan. Una de esas películas que se esperan con ansias, como Star Wars o The Matrix. ¿Trilogía al canto? Por el momento podemos comenzar a hacer la cuenta atrás gracias a la inquietante página recientemente habilitada: http://www.rec2lapelicula.com/ Si mis cálculos no fallan, imagino que la película se estrenará en el Festival de Sitges. Allí estaremos para pasarlo de miedo y, de paso, informar.

Lobezno

2009-05-06T12:05:00.000-07:00

Maravillosa, enérgica y entretenida película de superhéroes y supervillanos, Lobezno lleva su discurso neocárnico, apto para todos los públicos, un paso más allá que las comedidas tres partes a las que sirve de secuela. Tras Lobezno subyace el Tetsuo de Tsukamoto sin sus complejos apocalípticos, o los monstruos de Cronenberg sin su dolorosa carga de filosofía existencial. La película rezuma la alegría de una orgía sin cargos de conciencia, donde la carne se expande más allá de toda posibilidad, abrazando incluso el metal más duro por el mero placer de la venganza extrema. El universo Marvel se intuye sustituto de mitologías ancianas, renovador de las insólitas ansias mesiánicas de esta sociedad, la nuestra, quizás abocada a esos abismos de decadencia de los que surgirá el titán.

¡Fruncid el ceño y apretad los puños, a lo mejor aparecen las garras!

Déjame entrar

2009-05-04T12:35:00.000-07:00

“Déjame entrar”. Más o menos era esto lo que decía Chris Sarandon en Noche de miedo, aquella vampírica comedia negra en la que yo (e imagino que muchos otros aficionados) descubrí que una de las normas para que el vampiro penetrara en el hogar era invitarlo a pasar. Pero la reciente propuesta del realizador sueco Tomas Alfredson queda muy lejos de aquella entretenida película de Tom Holland. Déjame entrar es a Noche de miedo lo que Henry: retrato de un asesino es al Scream de Wes Craven. Y llega, además, en un oportuno momento, dando una visión mucho más poética y desgarrada de un mito, el del vampirismo, que se edulcora por momentos con crepusculares fanfarrias púberes. No nos engañemos, Déjame entrar pertenece a ese maravilloso universo fantástico que se aleja sabiamente de los convencionalismos de Hollywood, factoría capitalista hasta la aberración, capaz de generar incluso códigos éticos de representación del horror. Menos mal que todavía hay corazones de artistas en donde germinan las semillas de aquellas flores del mal que otrora compusiera Baudelaire.

Sobrio ejercicio de estilo donde el cuidado encuadre y el ritmo mortecino se imponen al frenesí de lo vacuo, Déjame entrar busca subyugar con un discurso en donde la sangre vuelve a ejercer su fascinante poder de seducción, en donde la violencia trasciende alcanzando cimas de lírica belleza.

Desde La adicción de Abel Ferrara, Déjame entrar es una de las mejores películas de vampiros rodadas, a la altura del Cronos de Guillermo del Toro o del Drácula de Coppola. Una tan delicada como incómoda obra maestra que merece un puesto de cierta importancia en la historia del género.

Monstruos contra alienígenas

2009-05-03T11:31:00.000-07:00

El gorila ataca (hoy por hoy toda una “cult movie”) fue la primera película que vi en tres dimensiones. El momento en el que aquel oriental émulo de King Kong, desde la cima de una montaña, arrojaba enormes rocas que parecían salir de la pantalla, quedó marcado a fuego en mi retina, configurando ese imaginario carpetovetónico que siempre navega por mi mente. Han pasado muchos años desde que disfruté de aquella gran película y, hoy por hoy, cuando la ciencia ficción es muy seria y muy cara y cuando nos hemos acostumbrado a que todo sea mucho más sofisticado que aquel pobre mono de trapo en decorados de cartón piedra uno se complace al comprobar que la última fantasía en 3D es deudora de la entrañable tradición a la que pertenece; pues Monstruos contra alienígenas es puro pastiche de referencias cinematográficas servido con ese pulso ultrasónico que algunos creen debe tener el cine del siglo XXI. Tras tamaña mascarada infográfica late el pulso de clásicos de los años 50 como El ataque de la mujer de 50 pies, The blob, Godzilla, La mosca o El monstruo de la Laguna Negra. Así, al igual que El gorila ataca evocaba de manera directa sus referentes y consiguió enamorarme todavía un poco más del cine fantástico, Monstruos contra alienígenas despertará los tiernos corazones de esos futuros cinéfilos que descubrirán que la pantalla puede ser una ventana abierta a maravillosas posibilidades, una manera de representar lo que escapa de los manidos terrenos de lo convencional. Aquellas piedras que lanzaba mi querido mono de trapo materializaban la protesta de lo diferente ante lo normativo, reivindicaban la poética trágica de lo extraordinario, de esos monstruos que viven entre nosotros y para los que no somos sino alienígenas.

Metal Gear Solid 4

2009-04-26T12:12:00.000-07:00

Con Metal Gear Solid 4 cierra Hideo Kojima (por el momento) su espectacular saga de videojuegos protagonizada por Solid Snake (y Raven). Esta entrega, que todos los medios especializados calificaron de obra maestra, ha satisfecho mis expectativas, si bien no he sentido la emoción e intensidad que me proporcionaron la impecable primera parte de la serie (para Play Station 1) y su indispensable continuación (para Play Station 2). Tras la tercera entrega (también para Play Station 2 y algo inferior, a mi gusto, a la segunda parte) el amigo Snake llega con pompa y fanfarria a la máquina de Sony. Metal Gear Solid 4 es una preciosa película interactiva, con secuencias de acción absolutamente magistrales. Fiel a sus propios elementos y estética, el universo de Kojima se consolida, definitivamente, tan auténtico y atractivo como los de otras grandes sagas de la ciencia ficción (ya sea literaria o cinematográfica). Experimentos genéticos, cibernética avanzada, potentes “mechas”, artes marciales, y carpetovetónicas reflexiones filosóficas se alían en una trama en la que lo que menos menos importa es la coherencia y comprensión (no nos engañemos, lo que prima es el espectáculo).

Hideo Kojima sorprende con su sentido del humor (escatológico en ocasiones) y sus referencias al universo del videojuego (con entrañables guiños a otras partes de la propia saga de Metal Gear). El cine, como no podía ser de otra manera en un “software” absolutamente deudor de la cinematografía de John Carpenter (recordemos que Snake está basado en el homónimo protagonista de Rescate en Nueva York), es homenajeado en momentos concretos, con referencias directas o indirectas a títulos tan populares como Star Wars, Rambo o The Matrix. La jugabilidad no es el punto fuerte de Metal Gear (ocurre con todos los títulos de la saga), pues tan solo controlamos al personaje durante la mitad (o quizás menos) del espectáculo; pero, cuando lo hacemos, el suspense, la emoción o la acción frenética nos embargan.

No creo que, tal y como se viene diciendo de un tiempo a esta parte, Metal Gear Solid 4 sea el mejor videojuego de la Historia (tampoco creo que la consola de Sony sea la mejor) pero sí que resulta sumamente gratificante para todos aquellos que, como yo, os confeséis fans de una saga histórica.

Premios, radio y huevos fritos... ¡con morcilla!

2009-04-22T12:57:00.000-07:00

Hoy ha sido uno de esos días agradables que la vida nos brinda. Dos alumnas del instituto Pedro Laín Entralgo, sito en Híjar, donde tengo la fortuna de impartir clases y charlar con algunos buenos amigos y amigas todas las mañanas, han sido premiadas en el certamen San Jorge de la provincia de Teruel; así que nos hemos ido para la insigne Ciudad del Torico (que tanto me gusta y que tan buenos recuerdos me trae) y hemos aprovechado la ocasión para visitar Onda Cero, donde la siempre atenta y generosa Belén Vicente ha entrevistado a Nidia, Estíbaliz y Laura (esta última, también premiada, del instituto Bajo Aragón, sito en Alcañiz).

Tras la entrega de premios y el siempre gratificante refrigerio (lo del “se servirá un vino español” es para cuando los premiados son adultos), en compañía de los amables padres y las gentiles madres de las afortunadas, servidor se ha vuelto a la emisora, en busca de esa magnífica locutora (y buena amiga) con la que tengo el placer de compartir un pequeño espacio cinematográfico de su inmenso magazine y, juntos, nos hemos dedicado a dar buena cuenta (aunque yo más que ella) de unos sabrosos huevos fritos con morcilla servidos con amor en el indispensable Rokelin.

Como quienes siguen mi programa de cine saben, yo soy fan de muchas cosas: Stanley Kubrick, el cómic, David Lynch, Luis Buñuel, Miguel de Cervantes, Fernando Esteso, Fernando Fernán Gómez, los videojuegos, las mujeres guapas, Platón, el Seminario de Filosofía y un largo etcétera… ¡Pero lo de los huevos fritos con morcilla! ¡Eso es de lo más grande!

¡Salud!

Boris Godunov

2009-04-21T07:57:00.000-07:00

Hace ya algunos años que estuve disfrutando de una magnífica adaptación que La Fura dels Baus hizo de La filosofía en el tocador del Marqués de Sade. De La Fura, hasta aquel entonces, había oído hablar mucho, pero no había tenido la inmensa suerte de ver ninguno de sus espectáculos. Desde aquella inolvidable experiencia en el Tívoli de Barcelona (con pelotera inclusive por gentileza de una ex novia algo pazguata que se sintió profundamente ofendida por lo que había contemplado) me hice devoto del popular grupo; así que no me lo pensé dos veces cuando el otro día me enteré de que representaban, en Zaragoza, Boris Godunov (ya saben, la obra en la que, en mitad de la función, un grupo de terroristas toma el teatro). La experiencia, quizás porque uno es algo más viejo o ya va predispuesto, no fue tan impactante como la de La filosofía en el tocador, pero sí que hubo un par de momentos en los que el miedo subyugó al respetable, en los que en el escenario (y fuera de él) se prodigó el mágico instante de lo catártico, ese que ya los griegos buscaban con sus tragedias.

Original (aunque a estas alturas ya está todo más que visto) La Fura saca la obra del escenario; todo se transforma en teatro y uno, por momentos, se siente actor o, casi mejor, siente que jamás ha dejado de serlo en esta farsa de la vida en la que todo es relativo (afortunadamente). La vida es sueño y siempre termina siendo muerte, compañera inseparable que aparece en el más inesperado de los momentos, como ese en el que me encontré con un tipo enmascarado apuntándome nervioso, irrumpiendo con furia en la plácida cotidianidad de una representación convencional. Mi vida tan solo dependía de un leve movimiento de su dedo, así que, ¿para qué discutir, como hacía mi ex novia pazguata, con quienes más cerca tenemos? ¿No comienza por ahí la imparable cadena de violencia que nos circunda?

Esperando

2009-04-17T10:17:00.000-07:00

Tal y como está la cartelera lo mejor es consolarnos con gotas de algunos potentes torrentes que están por llegar. Os dejo una de las escasas imágenes que, de momento, se han hecho públicas de la esperadísima Rec 2 (continuación de la obra maestra de Jaume Balagueró y Paco Plaza). La verdad es que la otra noche disfruté mucho buscando por la red información acerca de este título. Quienes tengáis mucha curiosidad no os perdáis el espléndido e inquietante “teaser”. Podéis acceder a él a través de http://www.aullidos.com/ o a gracias al “blog” del propio Jaume Balagueró: http://www.jaumebalaguero.blogspot.com/

¿Cómo continuará la desdichada odisea de Ángela? Todo un enigma.

¡A esperar!

Caminando tras el saber

2009-04-16T12:53:00.001-07:00

Esta es la foto que más me gusta de entre todas las que hice en mi reciente viaje a Andalucía. En ella puede observarse que unos cuantos jóvenes alumnos van tras los pasos del ilustre Paco, vestido de oscuro y armado de elegante paraguas. De Paco no conocimos el apellido, pero tuvimos el honor de ser iluminados, durante sevillana visita, por su generosidad, amabilidad y saber. Este buen hombre, que habla árabe, japonés, inglés, francés y correcto castellano, ha trabajado de traductor en películas tan memorables como Lawrence de Arabia, El reino de los cielos o Star Wars episodio II: El ataque de los clones. Escucharle es uno de esos inesperados placeres que a veces ofrece la vida. No es de extrañar que los jóvenes lo siguieran de cerca, ansiosos de su caudal. Creo que la foto habla del poder seductor del saber y de la natural inclinación del hombre hacia el conocimiento. Esto es lo que deberíamos hacer en la vida, dedicarnos más a ir tras quienes portan la maravillosa llama de la sabiduría, huyendo de los insondables abismos de la estulticia, que tan solo conducen al frustrante infierno de lo estéril.

Atrapa el pez dorado

2009-04-15T14:08:00.000-07:00

Por David Lynch, desde que vi Blue velvet, he sentido admiración, casi adoración. Su cine siempre me ha parecido arte. Para muchos será exagerado, pero para mí resulta sincero decir que Inland Empire es la película que más me ha gustado de los últimos años (pero esto me pasa cada vez que veo una nueva película de David Lynch).

Lynch no se prodiga mucho. Le cuesta tiempo, mucho tiempo, sacar sus proyectos cinematográficos adelante; quizás se deba a que, en el fondo, es un creador al que le interesan diversos campos. Así las cosas, el otro día, ¡sorpresa! Alcahueteando en una librería me encontré con un libro escrito por David Lynch: Atrapa el pez dorado. Una serie de pequeños ensayos a través de los cuales Lynch nos habla de meditación trascendental, de la inspiración mística de Eraserhead, de su gusto por el cine de Kubrick o de su conmovedora experiencia con Federico Fellini (entre otras cosas).

Atrapa el pez dorado es toda una rareza libresca que recomiendo a quienes crean conocer a este genio que, sin perder su identidad, se reinventa constantemente a sí mismo.

La vida es bella

2009-04-14T07:12:00.000-07:00

Bueno, bueno, bueno... Los siete días de vacaciones se han transformado en algunos cuantos más. Es una de las buenas cosas que tiene la Semana Santa, aunque predomine la pagana diversión. Que si cenita por aquí, viajecito por allá, comidita por acullá y , como colofón, zas, picar el anzuelo por segunda vez (ya me ocurió hace tiempo con la Xbox) y hacerse con una PS3, pues de alguna manera hay que entretenerse mientras esperamos el maravilloso puente de san Jorge. Como ven, la vida puede ser mejor que el cine o, como la película de Roberto Benigni, "bella".

Viaje de estudios

2009-03-24T13:45:00.000-07:00

Algunos de mis lectores ya conocen mi tendencia a la vagancia. Así que, tras ocho días sin actualizar el "blog", me pongo frente al teclado para decir que, durante los próximos siete días, tampoco escribiré nada, dado que me voy a Andalucía y olé. Bien acompañado, eso sí, por treinta y cinco alumnos y dos colegas de profesión.

A la vuelta, más cine y otros entretenidos temas.

Mutilando

2009-03-16T07:25:00.000-07:00

Ayer mismo estuve disfrutando por segunda vez de Volver, la magnífica película de Pedro Almodóvar que en su momento vi en el cine. Los de TVE llevaban días anunciando el especial que, cercano el estreno de Los abrazos rotos, iban a dedicar al director manchego. Nada que objetar excepto que, si mal no recuerdo y mi ojo no me engaña, el formato en el que se pasó la película no fue el adecuado, por lo que todos los planos estaban mutilados a derecha e izquierda. Volver fue rodada por Almodóvar, como muchas otras de sus películas, en "cinemascope". Sin embargo, la copia que ayer se emitió simplemente era ligeramente panorámica. Por otra parte, la semana anterior sí que pudimos ver Casino Royale en su formato adecuado. ¿A qué se deben estos extraños errores? ¿No resulta paradójico que se ensalce la labor de un cineasta cuya obra, al mismo tiempo, se mutila?

A ciegas

2009-03-14T04:38:00.000-07:00

A ciegas es una fábula audiovisual acerca de la triste condición de lo humano, de la imposibilidad del hombre de vencer sus miserias y debilidades, de hacer de toda sociedad un infierno, quizás por esa ceguera (ya sea o no física) que nos caracteriza. Fernando Meirelles, especialista en plasmar parajes de lo corrupto, asume la difícil tarea de adaptar la contundente obra maestra de José Saramago, Ensayo de la ceguera, electrizante narración que invita a reflexionar a través de una trama propia de trepidante novela de ciencia ficción, dejando a un lado cualquier atisbo de plomizo juego conceptual. Sin llegar a las excelencias de, a mi juicio, la mejor película de Meirelles hasta la fecha (Ciudad de Dios), el director brasileño sale bien parado, facturando una adaptación que es a la novela de José Saramago lo que El jardinero fiel era a la de John Le Carré, sin renunciar a su personal estilo visual, con un tratamiento del color distinto al de sus dos películas anteriores, pero igual de hermoso.

La larga espera

2009-03-12T06:14:00.001-07:00

Hoy es uno de esos días en los que la impaciencia hace merma en el ánimo, en los que las horas se antojan más largas y a uno solo le queda el consuelo de regocijarse sabedor de que mañana obtendrá ese gran placer que lleva esperando largos años. Quizás muchos de los que lean esto no entiendan lo que puede suponer para el buen amante de los videojuegos la llegada al mercado, por fin, de Resident evil V. Imagino que elegir como fecha de lanzamiento un viernes 13 es un pequeño guiño a los aficionados al género en el formato audiovisual que sea. Ya sé que este es un blog, apriorísticamente, dedicado al cine y, por ello, insisto en el hecho de la gran relación que existe entre ambos medios de expresión. ¡Cuán cerca de las películas de George A. Romero están los capítulos de esta magistral saga de Capcom!

Mañana, tras el programa de radio, mis manos se fundirán con el mando de la Xbox 360 y me internaré en los peligrosos vericuetos de una aldea africana afectada por el terrible virus creado por la corporación Umbrella hace ya muchos años, en el primer (e impactante) Resident evil. Sí, desde entonces, la perspectiva ha cambiado, pero no la emoción. Desde la inigualable cuarta parte, jugamos más cerca de la acción, desde la espalda de un personaje que, en esta ocasión, viene bien acompañdo (a ver qué tal funciona la cosa vía on line).

De todos los productos de la saga para consolas no portátiles, tan solo no he podido jugar a Resident evil zero (que creo era exclusivo para Game Cube), pero todos los demás han sido degustados a su debido tiempo; es decir, el mismo día de su lanzamiento. Mañana, a primera hora, correré al Centro Mail de turno (suelen desempaquetar el producto delante de mis narices). En España, al contrario de lo que ocurre en Japón, no hay colas en las tiendas, pero sí que hay afición... ¡Y de la buena!

"¡S.T.A.A.A.A.A.R.S.!"

Dinamita pura

2009-03-04T08:10:00.000-08:00

Nada, simplemente compartir una pequeña satisfacción con quienes también crean que Tiro en la cabeza es la mejor película española del año. Navegando ayer por Internet me enteré de que la película de Jaime Rosales, de la cual ya he hablado en este blog, ha sido galardonada con el Fotogramas de Plata. Me parece estupendo que, desde una publicación tan prestigiosa (la revista Fotogramas es todo un clásico en nuestro país), se apoye el arriesgado proyecto del autor de La soledad.

En épocas de crisis nada mejor que apuestas que cuestionen esos convencionalismos con los que muchos han comulgado (y lo seguirán haciendo). No olvidemos que el cine más manido, ese que suele llegarnos de Hollywood y que tanto nos hace babear, fabrica modelos de representación que solemos seguir a rajatabla, ciegos ante las tremendas trampas, en perfecta consonancia con los principios de las sociedades capitalistas, que se nos tienden. El cine, como vehículo de representación, es arma de manipulación. En este sentido, Tiro en la cabeza es dinamita pura. ¿Quizás por ello haya sido tan mal distribuida?

Julia

2009-03-03T07:49:00.000-08:00

Julia son dos horas y media de vertiginoso descenso a los abismos abyectos de la condición humana. Julia nos ofrece a una entregada Tilda Swinton que, en manos de uno de los grandes del cine europeo, el realizador francés Erick Zonca, se transforma en un ambiguo personaje que busca la salvación a través de los tortuosos terrenos de lo desesperado. Julia es un Hitchcock camuflado de Rossellini, los hermanos Dardenne o incluso Lars von Trier; un “thiller” impecable e implacable que invita a reflexionar acerca de estos locos tiempos que corren, donde tan solo parece importar el dinero, el dinero y el dinero, a toda costa y como sea, para salvarnos de ese gran peligro que en realidad no somos más que nosotros mismos. Tras La vida soñada de los ángeles y El pequeño ladrón, Zonca nos sirve otra gran película, tensa y amarga, con toda la fuerza del cine más visceral, acerca de un inexorable proceso de deshumanización, ¿con posibilidad de redención? Véanla y respóndanse ustedes mismos.

Viernes 13 (2009)

2009-03-01T12:34:00.000-08:00

Como epílogo del texto que escribí para este “blog” hace algunos días, sirva este pequeño comentario de Viernes 13 (2009), el esperado “remake” de la exitosa película que Sean S. Cunningham dirigiera hace ya tres décadas.

Lo primero que cualquier fan aprecia al inmiscuirse en los nuevos territorios de esta actualización del clásico es que no se trata exactamente de un “remake” de la primera parte, sino más bien de un homenaje a las cuatro primeras partes de la saga, con referencias que cualquier buen conocedor sabrá apreciar. Asistimos a la decapitación de la madre de Jason (primera parte); nos introducimos en el siniestro hogar del monstruo, donde conserva la cabeza de la misma (segunda parte); nos enfrentamos a un Jason con la cabeza cubierta por telas y, más adelante, ya con su característica máscara de Hockey (segunda y tercera parte); y confiamos en la tenacidad de un personaje que acude a Cristal Lake en busca de su desaparecida hermana (aparecía un personaje similar en la cuarta parte, si mal no recuerdo). Así las cosas, el personaje de Jason acapara todo el protagonismo de esta película, lo cual, aunque se desvía de la pretensión de nueva versión de la película de Cunningham es todo un acierto, en tanto en cuanto Jason es el icono representativo de toda la saga, el personaje popular que todo el mundo identifica con Viernes 13. Así las cosas, este Jason remozado respeta todas las convenciones de su cercano antepasado: fuerza descomunal, aura casi sobrenatural y una sorprendente capacidad de supervivencia (lo que contribuye, como es tópico) a propinar el susto final que deja, una vez más, la saga abierta. Entre las novedades podemos señalar que Jason parece haberse unido a la moda del zombi corredor; ya no se limita a andar con cierto aplomo sino que nos sorprende con alguna que otra carrera. Además, este nuevo Jason hace prisioneros, cual aspirante a carcelero de Guantánamo.

Marcus Nispel, que es todo un especialista en rodar versiones (tres tiene ya en su haber), confunde los parajes propios de la saga de Viernes 13 con los de su versión de La matanza de Texas, pero su neogótica apuesta estética no perjudica a un producto que, por encima de todo, resulta entretenido. Viernes 13 (2009) apenas deja tiempo de respiro; su electrizante prólogo (veinticinco minutos de acción pura) tan solo deja una hora escasa para una rápida presentación de personajes y su rápida ejecución, por lo que estamos ante uno de los títulos más adrenalíticos de la saga, si bien algo más contenido en aspectos “gore” que algunas de las partes de la serie. Sin embargo, su diseño de producción es mucho más elaborado que el de la mayoría de películas de Viernes 13.

En resumidas cuentas, un más que digno homenaje a una de las míticas series del moderno cine de horror.

La gran gala alternativa

2009-02-28T07:01:00.000-08:00

Les debía un articulillo acerca de la noche de los Oscars. En la radio ya hemos comentado, en un par de programas, algunos aspectos de la gala, de los nominados y de los ganadores, así que voy a dar aquí una visión distinta, algo alejada del glamour de Hollywood, si bien mucho más grata para mí.

Desde hace ya años, este Freaknéfilo no viaja hasta Estados Unidos para asistir a la gala oficial (jamás lo ha hecho), pero se desplaza encantado, luchando contra el cierzo, la niebla y otros elementos, hasta la casa de un amigo suyo que tiene conexión a Canal Plus, y allí, junto a otro amigo fiel a dicha noche, se lo pasa pipa viendo el asunto en televisión (que quizás sea donde mejor se ve), haciendo porras donde nada se juega (que la economía no está para apuestas) y comentando la ceremonia.

Mi amigo Carlos Gracia, que es como se llama quien nos invita a su casa (todo un generoso gesto que le honra) es uno de los grandes cinéfilos de esta ciudad. Lleva toda su vida entregado pasionalmente al cine y dedicándose al periodismo cinematográfico. Sus críticas siempre son certeras y, si en alguna que otra ocasión pueden mover a discrepancia, merece la pena escucharle o leerle por su elegancia en el decir y humorístico toque. Quien tenga interés en leer sus comentarios puede hacerlo en http://www.elcriticodezaragoza.blospot.com/ o, en una línea más mordaz y relacionada con aspectos sociales (que no solo de cine vive el hombre), puede visitar esta otra dirección: http://www.doctorsugrañes.bogspot.com/ Cuando vemos la gala, Carlos es quien más la vive, pues llega a abrir botellas de champán (si mal no recuerdo, lo hizo cuando triunfó Steven Spielberg) o a enconarse cual bárbaro de Robert E. Howard en caso de que el premiado no sea de su agrado. Para más señas, lleva grabando sistemáticamente todas las galas desde tiempos inmemoriales, pues, en cierta forma, Carlos es al cine lo que Maldini al fútbol.

Luis Miguel Arrechea no se dedica a esto del periodismo cinematográfico (y hace muy bien) pero es uno de los más fieles espectadores de nuestras salas cinematográficas. Yo lo conocí en casa de Carlos Gracia y hemos acabado siendo buenos amigos. Es habitual acudir al cine o al teatro y, zas, encontrarte con Luis Miguel, solo o bien acompañado, en la película o función de turno. Afortunadamente, como es hombre de buen humor, se apunta a lo que le propongas, y ya en más de una ocasión la fiesta ha continuado después de la función. El año pasado se apuntó al viaje al Festival de Sitges, donde nos tragamos unos cuantos bodrios, si bien fuimos testigos de grandes películas como JCVD. Pero su presencia, junto a la de Jaime (veterano en estas lides) e Isabel (que venía también por vez primera a dicho festival), contribuyó a animar el cotarro.

Esta gala alternativa de noche de Oscars comienza a las nueve y media de la noche, cuando Luis Miguel y yo llegamos a casa de Carlos, quien, anfitrión excepcional, prepara la cena. El menú de la última velada incluía un estupendo jamón con pan de pueblo y unas jugosas pizzas “calzone”. Por supuesto, postrecico y cafecico. Durante la velada, patatas fritas, golosinas variopintas e incluso palomitas de maíz. En resumidas cuentas, que ya les gustaría a los invitados a la gala oficial poder asistir a nuestra gran y particular fiesta.

Street fighter IV

2009-02-27T14:40:00.000-08:00

Lo he comprado hoy mismo, en un arrebato de nostalgia. Ya saben ustedes de mi afición a los videojuegos, así que a nadie sorprenderá el que me confiese devoto del clásico de la lucha: Street fighter 2. Menudas tardes de domingos, hace ya más de diez años, que me pasaba con mis amigos repartiéndonos mamporros. Yo era especialista en Vega, aunque también solía repartir leña con Zangief. Aquel juego fue tan exitoso como para rodar una película protagonizada por Jean Claude Van Damme, que defraudó a más de uno pero que no era tan rematadamente mala. Ahora, el lanzamiento de la cuarta parte del juego llega avalado por su correspondiente película, seguro que más sofisticada que la que hizo el belga experto en artes marciales, pero, posiblemente, más sosa. Ahora bien, a quienes, como yo, deseéis volver a sentir la adrenalina que provoca una auténtica partida de Street fighter, os sugiero probéis esta magistral continuación (más bien “remake”) para consolas de nueva generación.

Apenas he podido jugar un par de horas esta tarde, pero … ¡Han sido de antología! Evidentemente, no he podido degustar el juego a fondo, pero lo de estar dándote contra la máquina y, de repente, ser retado por cualquier jugador a través de la red… ¡Maravillosa e indescriptible experiencia!

¡¡¡Hadoken!!!

La poética de la derrota

2009-02-24T08:32:00.000-08:00

En algunas derrotas suele haber belleza y dignidad. En ese héroe que se lanza a la vorágine de la aventura, y que muere asaeteado, tratando de erradicar el mal, reside la hermosura de lo trágico; quizás porque toda vida es inexorable camino hacia la muerte. Así, la última película de Darren Aronofsky tiene la fuerza de lo decadente, de esa luz que se apaga por momentos y que tratamos de recuperar sin lograrlo. En The wrestler, el personaje de Mickey Rourke se enfrenta a los caminos tortuosos de la vida y, tras sufrir sus amargas espinas, decide cambiar su rumbo, andando, con la cabeza alta y el corazón infartado, por la única vía que conoce bien y que le otorga momentos de dicha. A pesar de las convencionales advertencias de quienes supuestamente lo estiman, este luchador derrotado vence en ese salto final porque, como en los sabios versos de Manrique, consiente en su morir con voluntad placentera.

Rourke, derrotado en los Oscar, continuará adelante, con esa poética belleza de la derrota.

La saga de Viernes 13

2009-02-17T12:58:00.000-08:00

El otro día me fui a ver Viernes 13, el esperado “remake” facturado a cuatro manos por el productor Michel Bay y el director Marcus Nispel. Observé que, en la sala, yo era el más veterano de los espectadores, pues, lo demás era chavalería, jóvenes aficionados al género que quizás cuando se hagan mayores dejarán de serlo o, quién sabe, seguirán, tal que yo, fieles. Sea como sea, le he estado dando vueltas al asunto y me he decidido a escribir un comentario no acerca de la película de Marcus Nispel (lo haré en otra ocasión) sino de la saga de Viernes 13 en general, dado que la he visto entera y me confieso fan de la misma. ¿A qué se debe esta “freaknéfila” iniciativa? Considero que los jóvenes espectadores de hoy en día pueden, tras ver el reciente “remake”, sentirse atraídos por las películas originales, así que tan solo pretendo, con estas discretas líneas, servir de pequeña ayuda o guía a quienes puedan encontrarse algo perdidos al respecto. En mi mocedad, yo tenía que tirar de videoclub y televisión para recuperar esos grandes clásicos que no había podido ver dado que, o era aún muy pequeño o ni tan siquiera había nacido. Qué fortuna la de los adolescentes de hoy en día, gracias a ese maravilloso invento de Internet. El joven aficionado al género, hoy por hoy, puede descubrir una joya diaria, si bucea en el maravilloso océano cinematográfico de, por ejemplo, los años ochenta. Cuando yo vi por vez primera el atractivo cartel anunciador de Viernes 13 (con aquella siniestra hacha clavada en la almohada), muchos de los chavales que el otro día me acompañaban en la sala ni tan siquiera habían nacido. Por cierto, no pude entrar a verla, pues, por mi edad, no lo permitían.

¡Comenzamos!

La primera vez que me enfrenté a él fue en la tercera parte de la saga, rodada en tres dimensiones. Corrían los primeros años de la década de los ochenta y ya se podía entrar al cine a ver películas para adultos. Mi padre, sabedor de mi temprana afición por el cine de terror, accedió a acompañarme una noche (aunque a él también le gustaba el género, si bien sus gustos siempre han apetecido más de lo sutil que de lo explícito). En aquella tercera parte, dirigida por el especialista Steve Miner, Jason Voorhees adquiría su peculiar iconografía, dado que se colocaba la hoy por hoy famosa máscara de hockey. ¿Recuerdan de dónde la sacaba? Simplemente, era un extraño atuendo que una de sus víctimas (el graciosote de turno) se había llevado al campamento maldito de Cristal Lake para asustar a alguna que otra tiarrona amiga. Jason, cansado del saco que cubría su cabeza (a lo Hombre Elefante), probaba con aquello y quedaba plenamente satisfecho de su nuevo aspecto. Aquella película, que desde entonces no he vuelto a ver y que por ello recuerdo como un espectáculo inconmensurable, me encantó y despertó mi pasión por Viernes13 para siempre.

Por aquellos días, mi padre acababa de comprar un magnetoscopio y no tardé mucho en ver, en la pequeña pantalla, alquiladas en sistema Beta, la primera y segunda parte de la saga. Así las cosas, yo soy de los que no hubieran fallado la famosa pregunta que en Scream formulan los cinéfilos asesinos a una aterrorizada Drew Barrymore y de los que se pegaron el susto de su vida cuando, al final de la primera parte, Jason surge de las aguas, por detrás de la barca, llevándose con él a la protagonista de turno.

Viernes 13, la primera de todas, fue un clásico inmediato. Todavía hoy en día casi resulta incomprensible que una película tan simplona dé tanto y tanto dinero y haya generado una de las sagas cinematográficas más largas de la Historia del Cine. A ello, sin duda, contribuyó la magistral banda sonora que Harry Manfredini compuso y los impactantes efectos especiales del gran Tom Savini. Sabido es que cuando Sean S. Cunningham enseñó su película a su amigo Wes Craven, éste pensó que aquello iba a ser un estrepitoso fracaso. Craven fue el primer sorprendido ante el exitazo. Cuando volvió a ver la película, lo entendió todo. La versión de la que él había disfrutado todavía no estaba totalmente sonorizada, faltaban esas escalofriantes notas de Harry Manfredini que los aficionados al cine de horror tararean, hoy por hoy, tal que los aficionados a la comedia lo hacen con esa musiquilla de Mi tío, la impagable obra maestra de Jacques Tati. Por cierto, ¿sabían ustedes que el extraño susurro que funciona como “leit motiv” de la música de Viernes 13 no es más que el comienzo de las palabras, pronunciadas por el propio Manfredini, “kill” y “mum”? Y es que todos (o casi todos) ya sabemos que, en la primera parte, Jason no es el asesino; lo era su mamá. Él no perpetrará sus teatrales crímenes hasta esa segunda parte en cuyo prólogo hace estragos, con un sacacorchos, en el cráneo de la superviviente de la película inaugural, dejando claro, desde un comienzo, que es mucho más duro que su entrañable progenitora.

Cunningham dejó la continuación de la saga en manos de Steve Miner, quien dio absoluto protagonismo, acertando de pleno, a Jason Vorhees. Posiblemente no le convenciera en exceso lo de la saca en la cabeza y, por ello, decidió colocarle la hoy por hoy clásica máscara de hockey, en la tridimensional tercera parte; película que tiene en su haber una de las muertes más espectaculares de la saga, la del ojo saltando de su cuenca a causa de la presión que el poderoso asesino ejerce sobre la cabeza de un muchacho. ¡Ahí es nada!

Steve Miner, con las dos partes que dirigió, terminó de establecer las pautas de esta saga mítica, con permiso de Halloween, dentro del “body count”. Si Cunningham es el padre de la saga, creo que a Miner podemos darle el título de padrino. Pero, ¿cuáles son dichas pautas? Jovencitos cachondos que propician algunas escenas de despelote y cuyos diálogos y sentimentales problemas no despiertan nuestro interés en ningún momento; un asesino más allá de lo normal (Jason tiene una fuerza sobrehumana y no termina de morir jamás) que llevará a cabo crímenes que serán mostrados de manera explícita; uno o varios sobrevivientes que plantarán cara al despiadado monstruo, que quedará fuera de combate en más de una ocasión, pero que siempre volverá, creando un estupendo clímax final de unos veinte minutos de duración que terminará con un susto (aunque alguna de las partes de la saga obvia este impacto final). Como pueden ustedes deducir, una fórmula más o menos copiada del Halloween de John Carpenter que, a posteriori, imitarán un sin fin de películas propias del género: El tren del terror, Mad man, Pesadilla en Elm Street, Leyenda urbana…

Como todo género se constituye por la repetición de cánones, hemos de agradecer a Joseph Zito la impecable factura de una de las mejores partes de la saga: Viernes 13 último capítulo. Jason vuelve por última vez. Zito acababa de rodar uno de los mejores “body count” de todos los tiempos, El asesino de Rose Mary, así que decidieron confiarle la dirección de la que iba a ser última parte de la serie. Entre la profesionalidad de Zito y el reclamo de que ya no íbamos a volver a ver a Jason en acción, esta cuarta parte fue un éxito. Y, sí, Jason se iba a la tumba (en una magistral secuencia protagonizada una vez más por los impagables efectos especiales de Tom Savini), si bien, el plano final auguraba una posible continuación que no tardó en ser estrenada: Viernes 13 Vº parte. Un nuevo comienzo.

Esta quinta parte es de las menos celebradas por los fans, dado que en ella se nos escatima, con un innecesario juego de guión, la presencia del verdadero Jason. Es decir, que el asesino es, en esta ocasión, un impostor. Mucho menos espectacular que las cuatro partes anteriores, con un estilo visual más cercano al telefilme que al producto concebido para las más prestigiosas salas, esta quinta parte supuso, en el caso de nuestro país, que la saga se viera relegada al videoclub hasta la aparición de Freddy contra Jason y Jason X. Sí, esta quinta parte fue la última estrenada en salas comerciales.

Sin embargo, guardo un agradable recuerdo del visionado de Viernes 13 VIª parte junto a Ángel Sala, que en aquel entonces vivía en Zaragoza, por lo mucho que nos reímos gracias al tono paródico y las múltiples referencias (impagable el título de crédito a lo James Bond) de este título metacinematográfico, carta de presentación, con más humor y menos “gore”, de un Jason resucitado, por obra y gracia de un rayo, que se antoja mucho más cadavérico y espectral, aunque también más dicharachero que de costumbre. Aquella fiesta para los fans del género no estaba nada mal. Dirigida por (Tom McLoughlin) proponía una dirección distinta para el asesino de la máscara de hockey a la intuida en la por otra parte entretenida quinta parte (que tampoco es que estuviera tan mal).

A continuación llegó, de la mano de John Bud Cardos, la que para muchos es la peor de la saga: Vienes 13 VIIª parte. En España fue también directa a video y había que enterarse de su calidad gracias a las críticas de las excelentes revistas especializadas francesas (Mad Movies y L’Écran Fantastique) o de la norteamericana Fangoria (todo un referente). Los franceses le dieron por todos lados y Fangoria, en su línea, obvió el aspecto crítico. La alquilé temiendo lo peor y no me pareció nada desdeñable, más bien en la línea de la parte anterior, si bien menos humorística y con menos referencias a otras películas. En esta ocasión, Jason se enfrentaba a una muchacha con poderes telequinésicos, y las críticas más bien iban en plan choteo, diciendo que aquello era Jason contra Carrie (bueno, tampoco iba a tardar en llegar Jason contra Freddy, y aquello les pareció tan bien a los críticos franceses). De la séptima parte yo destacaría su clímax final, con un divertidísimo momento en el que Jason rompe su deteriorada máscara de hockey con una contracción de su propia cabeza, para enseñarnos su cada vez más horrible rostro.

Viernes 13 VIIIª parte. Jason llega a Nueva York basaba su baza fundamental en que el amigo Jason decidía dejar Cristal Lake y darse una vueltecilla por la gran manzana. En este sentido, la película es un poco tramposa, pues casi toda ella se centra en las andanzas de Jason en el barco que lo traslada hasta Manhattan (en plan Drácula) y, una vez allí, sus fechorías se centran en algunas callejuelas suburbiales reproducidas en estudio cinematográfico. Pero, como tampoco era cuestión de tomarle el pelo del todo al aficionado, sí que hay un par de minutos en los que el bueno de Jason se planta en una de las más conocidas zonas de la ciudad, amedrentando a unos pandilleros de curiosa manera en una secuencia por la que ya merece la pena ser vista esta entretenida cinta que plantea además el fin definitivo de Jason (obviando el susto final), consumido por ácido. En su momento, la película también fue vapuleada por la crítica, si bien, vista hoy, se antoja simpática y singular (debido sobre todo a las escenas antes comentadas), digno producto de serie b que está agotando sus últimos cartuchos.

Pero, cuando todos pensábamos que ya no iba a haber más Viernes 13, zas, Adam Marcus revitalizó la saga con una magnífica y diferente novena parte subtitulada Jason va al infierno. ¿Quién era este tal Adam Marcus? Nada más y nada menos que el chico del café de la primera parte de la saga. Un auténtico fan de las películas de Viernes 13 que debió hacer lo imposible por ponerse tras las cámaras y dar su visión (y revisión) del mito. Marcus trataba de explicar con esta novena parte los orígenes de Jason, por qué el monstruo de la máscara de hockey volvía una y otra vez y jamás encontraba su final definitivo. La explicación estaba vinculada, si mal no recuerdo, a elementos mágicos y extraterrestres. El tal Jason era una especie de parásito que se introducía dentro de los cuerpos (como en el Hidden de Jack Solder) y, para eliminarlo, había que enviarlo más allá de este plano, al mismo infierno del que debía de haber salido. Aquel intento de dotar de coherencia, con una novena parte, a todo lo anterior, resultaba tan estimable como carpetovetónico. La verosimilitud de la propuesta hacía aguas en algunos momentos, pero la película, como espectáculo cinematográfico funcionaba estupendamente. Así pues, la novena parte es una película de Viernes 13 y, a la par, no lo es. Hay algo distinto en toda ella, que la aleja de la pureza de la saga pero, al mismo tiempo, la hace mejor que muchas de las propuestas anteriores. Si conceptualmente está mucho más elaborada que sus inmediatas antecesoras, visualmente también resulta más cuidada. Como curiosidad, señalar que su final anticipa el encuentro de Jason con Freddy Krueguer, puesto que las afiladas garras del asesino de Elm Street acaban hundiendo la máscara de Jason en las profundidades del, como reza el título, mismo infierno.

Pero Jason contra Freddy tardaría a llegar un poco más de lo esperado. Antes, los aficionados disfrutaríamos de Jason X. Ahora bien, obsérvese el hecho de que desde la película de Adam Marcus, ninguna otra película de la serie, exceptuando el reciente “remake” de Marcus Nispel, ha vuelto a titularse Viernes 13. Es como si, tras la película de Adam Marcus, los productores decidieran continuar la saga rompiendo con la misma. Creo que, en el fondo, subyace un problema de paso del tiempo y renovación de la generación de espectadores (no nos equivoquemos, como ya he dicho antes, muchos se hacen mayores y dejan de ir al cine a ver cierto tipo de cosas). El cine de hoy, sobre todo en tanto en cuanto a cuestiones de factura audiovisual, es muy distinto del de los años ochenta y parte de los noventa. Para muchos nuevos espectadores de hoy en día (sobre todo adolescentes), algunas películas de la saga de Viernes 13 pueden resultar cutres (quienes acaben siendo buenos cinéfilos, ya llegarán a apreciarlas atendiendo a su contexto). Así las cosas, propuestas como Jason X, Freddy contra Jason o incluso el actual “remake” de Marcus Nispel nos devuelven los grandes éxitos del pasado pero adecuadamente aderezados para disfrute de las nuevas generaciones, que son quienes, al fin y al cabo, más se dejan los cuartos en este tipo de productos (a lo mejor, hasta que también se hagan mayores). El estrenar hoy por hoy un Viernes 13 XIIª parte ocasionaría, posiblemente, un fracaso, pues esas nuevas generaciones de aficionados no pagarían por ver la décimo segunda parte de algo que no conocen bien. Otra cosa es eliminar el número y hacer como que se comienza de cero. Lo hemos visto también con La matanza de Texas y sus nuevas y espectaculares versiones (una de ellas, por cierto, también dirigida por Nispel y producida por Michael Bay).

Para Freddy contra Jason se contrató al cineasta oriental Ronny Yu, estupendo esteta (con obras maestras en su haber como La novia del cabello blanco) que contribuyó a dotar a la saga de esa nueva dignidad que comenzó con el título de Marcus y continuó con Jason X (en la que el asesino de la máscara de hockey perpetraba sus fechorías en una nave espacial). Tras Jason X y Freddy contra Jason hay una mayor producción y unos más elaborados guiones que prepararon el camino para la siguiente aparición de Jason en la pantalla grande. Su nueva puesta de largo en el “remake”, recientemente estrenado, de Marcus Nispel, película a la que dedicaré, como he dicho al comienzo, un próximo artículo.

Para finalizar, tengo a bien establecer toda la relación de películas de Viernes 13, exceptuando el “remake” de Marcus Nispel, indicando título, director y año de producción. A su derecha, incluyo un pequeño comentario personal.

Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980) Un clásico de obligada visión.

Viernes 13 2ª parte (Steve Miner, 1981) Entretenido producto que todo fan debe ver, dado que Jason comete sus primeros crímenes y su aspecto personal es diferente a la posteriormente popularizada.

Viernes 13 3ª parte (Steve Miner, 1982) Yo la pude ver en 3D. Impagable. Jason se coloca por vez primera la máscara de hockey y comete algunos de sus más famosos crímenes. De visión obligada para todo fan que se precie.

Viernes 13 4ª parte. Jason vuelve, por última vez (Joseph Zito, 1984) De lo mejor de la saga. Una de mis favoritas. Encomiables veinte minutos finales. Savini en plena forma sirviendo efectos espeiales.

Viernes 13 5ª parte. Un nuevo comienzo (Danny Steinmann,1985) Película curiosa que defrauda a los puristas, si bien entretiene a los menos exigentes. No es tan mala como dicen.

Viernes 13 6ª parte. Jason vive (Tom McLoughlin, 1986) Delirante carnaval de humor negro y referencias cinematográficas. Para verla en compañía de amigos aficionados al género.

Viernes 13 7ª parte. Sangre nueva (John Carl Buechler, 1988) Para muchos la peor de toda la saga. A mí me gusta tanto como la quinta o sexta parte. Además, tiene algunos de mis planos favoritos de la saga.

Viernes 13 8ª parte. Jason llega a Nueva York (Rob Hedden, 1989 ) En la línea de las dos películas anteriores. Una serie b que promete más de lo que da pero que no termina de caer en la chabacanería más absoluta. Una muy digna propuesta con, una vez más, un par de escenas antológicas.

Viernes 13 IXª parte. Jason va al infierno (Adam Marcus, 1993) De las mejores películas de la saga. Distinta y superior a sus cuatro propuestas anteriores, aunque sin alcanzar la irrepetible atmósfera de las cuatro primeras partes de la serie. Toda una obra de culto a tener en cuenta.

Freddy contra Jason (Ronny Yu, 2003) Delicioso cómic magníficamente rodado por Ronny Yu. Mucho más presupuesto para este divertido cruce entre Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street que, por cierto, supuso el retorno de Jason en España a la pantalla grande.

Jason X (James Isaac, 2001) Con Cameo de David Cronenberg incluido. En la línea de renovación estética de Freddy contra Jason, un Viernes 13 de lujo, ambientado en el espacio, que poco y todo tiene que ver con el espíritu original de la saga. Absolutamente recomendable.

El truco del manco

2009-02-16T11:59:00.000-08:00

Entre pitos y flautas hasta hoy no he podido ver El truco del manco, película que me interesaba en demasía pues, al margen de los premios obtenidos en la última gala de los Goya, había leído y escuchado buenos comentarios acerca de la misma. El camino comercial de esta película, que no sé qué tal ha sido, debe de ir ya en retroceso, dado que estaba yo solo en la sala, absolutamente acongojado frente a esa amarga realidad que Santiago A. Zannou muestra con sincera sobriedad. Durante hora y media, esta tan discreta como excelente película me ha permitido asomarme a una realidad incómoda y sórdida, esa otra España que parece de ciencia ficción, pero que nada tiene que ver con fantasías cibernéticas. El truco del manco me ha traído a la memoria el cine de los hermanos Dardenne, donde se cuentan historias de personajes sin escapatoria, inmersos en un oscuro pozo del que difícilmente pueden salir, aunque lo intenten, y resbalen, hundiéndose todavía un poco más, y un poco más, y un poco más… El truco del manco nos pone frente a esos abismos insondables de las “sociedades de bien” en los que, si nos descuidamos, podemos caer. ¿De verdad hay quien se cree a salvo?

Creo que podemos decir que esta película pertenece a eso que llaman “cine social”, aunque yo más bien pienso que El truco del manco es cine de terror en estado puro.

Si, como me ha ocurrido a mí, no la han visto todavía, háganlo.

Slumdog millonaire

2009-02-15T07:23:00.000-08:00

India es un país en el que se siente auténtica pasión por el cine. Al parecer, Bollywood es la factoría de películas más prolífica del planeta, más incluso que Hollywood, si bien sus producciones no tienen la distribución internacional de la que sí gozan las películas norteamericanas. Slumdog millonaire puede disfrutarse como homenaje, por parte del extravagante Danny Boyle, a dicha cinematografía, pero, lo que subyace, a lo largo del intenso y colorista metraje, es una amarga hipótesis acerca de la vía de escape que la ficción cinematográfica supone para quienes viven en el lado oscuro del mundo.

Por otra parte, mientras disfrutaba Slumdog millonaire tenía la sensación de que estaba ante un trabajo sumamente elaborado, una película en la que cohabitan numerosas capas y niveles de lectura; la comedia y el drama van de la mano, tal que el cine de género más genuino (negro, suspense, musical) se alía con el cine más comprometido. Así las cosas, no estamos ante una película que asuma unas características genéricas fácilmente reconocibles, sino que opta por la mixtura, desprendiendo verismo y sinceridad (la vida va más allá de las convenciones de la representación, si bien Slumdog millonaire continúa siendo una película, pero con ciertas dosis de originalidad).

A su director, Danny Boyle, le debemos títulos tan electrizantes como Trainspotting, y viendo Slumdog millonaire lo intuimos tras las cámaras disfrutando de un presupuesto holgado que le ha permitido crear una catarata arrolladora de planos que conforman algunas de las mejores escenas de su filmografía. Boyle, como ha demostrado en más de una ocasión, es uno de esos cineastas con un talento visual capaz de transformar una historieta televisiva de zombis (recuerden 28 días después) en todo un icono cinematográfico que arrasó no ya en la pequeña sino en la gran pantalla (lo que no terminó de ocurrir con su interesante aunque fallida Sunshine, también pensada para televisión y también estrenada en cines). Así que imaginen ustedes lo que es capaz de hacer el bueno de Boyle con un guión que es todo un caramelo si además lo arropan un director de fotografía de primera (me encantó el aspecto cromático de la película) y un montador inspirado (en este sentido, creo que la película es una joya), sin olvidar al músico que orquesta la acción y a la espléndida caterva de actores de origen hindú.

No se la pierdan.

El curioso caso de Benjamin Button

2009-02-08T12:31:00.000-08:00

La carrera de David Fincher comenzó a interesarme con la menospreciada Alien 3. Creo que su filmografía es sumamente interesante y que la ansiada estatuilla dorada deberían habérsela dado por títulos tan impactantes como The game, El club de la lucha o Seven, su mejor película hasta la fecha. Sin embargo, las nominaciones le han llegado a porrillo con ese pastelero tratamiento de la monstruosidad que es El curioso caso de Benjamin Button. Uno va al cine confiando en que va a disfrutar de un auténtico peliculón, no ya porque venga firmado por David Fincher sino porque la prensa se ha encargado de repetir que estamos ante una de las mejores películas del año. Qué quieren que les diga, lo de Fincher me recuerda, salvando las distancias, a lo de Spielberg, que tuvo que cambiar de registro para ganar ese ansiado Oscar que quizás debieron darle en su momento por una de sus mejores películas: Tiburón. Pero El curioso caso de Benjamin Button está muy lejos de La lista de Schindler (¿y recuerdan El color púrpura?). La extraña historia del niño que nace viejo hubiera sido un vehículo perfecto para otro David, Cronenberg, uno de los directores que mejor ha tratado la transformación y que también ha acariciado el Oscar en alguna que otra ocasión, si bien siempre se ha mantenido fiel a su perturbador estilo y, por supuesto, siempre se ha vuelto a casa de vacío. Pero, posiblemente, en manos del maestro canadiense, la película no sería un folletín de cerca de tres horas, de factura casi televisiva, pensada para quienes no quieren ir más allá del mero cuentecillo convencional, que no conmovedor.

Fincher cambia el sombrío pesimismo de Seven y la radicalidad inconformista de El club de la lucha por un producto amable pero soso, tan artificial como carente de alma, incapaz de agitar a un pobre espectador que, como yo, fan de Fincher desde su Alien 3, esperaba mucho, muchísimo más.

¿Quieren un consejo auténticamente “freaknéfilo”? No pierdan el tiempo con este latazo de lujo y, si jamás lo han hecho, pónganse en DVD La mosca de Cronenberg, versión madura, con historia de amor también incluida, de lo que supone el don de la diferencia. ¡Ah! ¡Y en tan solo ochenta minutos!

El hechizo

2009-02-07T04:39:00.000-08:00

Tras los primeros compases de la magistral música de Nino Rota y esa ya clásica primera línea de diálogo (“Creo en América”), ayer volví a sentirme cautivado por una de mis películas favoritas: El Padrino. Me fascina, jamás puedo dejarla pasar, aunque nunca he tenido ocasión de verla en cine. La he disfrutado en televisión convencional, en DVD, en televisión de las de ahora (qué bien se aprecia la nieve en las escenas nocturnas) y, como digo, nunca he podido resistirme a su hechizo.

En El Padrino confluyeron un sin fin de talentos que no se eclipsaron, desde Mario Puzo, que escribió una fantástica novela cuya lectura les recomiendo, a Francis Ford Coppola, sin olvidar al ya mentado Nino Rota (que compuso una de las más populares bandas sonoras de todos los tiempos). El elenco de actores es impagable (¿se han percatado de lo perfectos que están todos los secundarios?); Marlon Brando creó un icono de la cultura pop y Al Pacino, James Caan, John Cazale o Robert Duvall supieron estar a la altura.

Estilísticamente me encanta el clasicismo de la película, su elegante sobriedad y contención, esa cámara que tan solo se mueve cuando es estrictamente necesario. La fotografía de Gordon Willis aporta por momentos un tono de coñac añejo, y en ocasiones explota en vivos colores, como si la película, más que ficción, fuera testimonio de una realidad ya pasada, aunque realidad embellecida por la fuerza del cine.

Y, para finalizar, ¿es ésta una película de género negro? Yo más bien creo que El Padrino, por encima de todo, es una película de amor. Coppola muestra el lado humano de la familia mafiosa y quizás sea eso lo que la hace tan cercana y entrañable. Todos recordamos la escena del asesinato de Sonny Corleone, pero siempre nos quedaremos con ese mágico momento en el que Don Vito baila con su hija en el día de su boda. Amarguras y dulces de toda vida, al fin y al cabo.

Como todo el mundo sabe, a esta primera parte siguieron otras dos, igual de magníficas (me uno humildemente al proceso de reivindicación que de un tiempo a esta parte se está haciendo de El Padrino 3). Esperemos que Aragón Televisión también las emita para sentir de nuevo su mágico hechizo.

¡Amigdalitis!

2009-02-06T05:53:00.001-08:00

Uno se encuentra tan bien y, de repente, al tragar saliva, nota un dolorcillo que, poco a poco, va a más, y a más y a más… ¡Amigdalitis! Esa ha sido la causa de que este blog haya estado desatendido durante algunos días y de que mi voz no haya podido ser oída en el programa de Belén Vicente. Y con la de cosas que tenía yo para comentar, que si películas para los Oscars, que si Goyas, que si recomendaciones de lo más variopintas. Pero, bueno, todo se andará, dado que parece que ya veo luz al final del túnel. Espero pues poder seguir añadiendo articulillos nuevos a partir de ahora y que el viernes que viene tengamos nuestra pequeña cita radiofónica.

Saludos para todos.

Una película diferente

2009-01-26T11:40:00.000-08:00

Lo que me gusta de Jaime Rosales es su indiferencia ante esas oportunidades por las que otros se dejarían partir los brazos. Tras ganar el pasado año, en la ceremonia de los premios Goya, Jaime Rosales vuelve a desmarcarse con su, posiblemente, más extraña película: Un tiro en la cabeza, que, tal y como ya informaba en un articulillo anterior, ha sido exhibida por la Filmoteca de Zaragoza. Quizás Rosales podría haber rodado una película más convencional, con mayor presupuesto y actores conocidos, pero tan solo los sabios son libres. Así las cosas, Rosales ha rodado lo que le ha venido en gana, sin atender a la marcha comercial de su carrera.

Lo que más me gustó de Un tiro en la cabeza fue su alejamiento de los códigos de representación convencionales, su forzoso distanciamiento de cualquier tipo de discurso aclarador. Rosales se limita a mostrarnos una serie de escenas, a lo largo de unos ochenta minutos de metraje, sin incluir diálogo alguno. Tan solo la imagen y el sentido que uno quiera otorgarle a la misma es protagonista de una película única que provoca, ante todo, extrañeza y desazón.

Un tiro en la cabeza es una de las propuestas cinematográficas más radicales que este pobre “freaknéfilo” ha visto en mucho tiempo. Fan incondicional de Las horas del día y de La soledad, aplaudo con entusiasmo el tercer largometraje del amigo Rosales, película que les recomiendo, sobre todo si ansían platos exóticos y diferentes.

Siete almas

2009-01-25T12:59:00.000-08:00

¿Y para qué iremos al cine? ¿O al teatro? ¿O para qué abriremos un libro o besaremos unos labios? Para conocer, y para emocionarnos. El lenguaje puede funcionar como instrumento de conocimiento, a través de las palabras podemos analizar o definir, pero creo que siempre queda un halo de misterio que somos incapaces de aprehender y, posiblemente, ese halo que siempre nos circunda y que siempre se nos escapa es el maravilloso ingrediente secreto de la salsa de la vida.

Así las cosas, podemos definir Siete almas como un título lacrimógeno y convencional, pero dotado de ese toque inaprensible que logra emocionarnos. Siete almas es un producto para el gran público, afortunadamente, pues al disfrutarla en una sala abarrotada se siente el silencio conmovedor de la emoción, de la película que llega a nuestro corazón y al de quien tenemos al lado. Siete almas es una historia de Hollywood orquestada por un europeo, Gabriele Muccino, que sabe darle ese inusual toque de lo poético, como un abrazo sincero, una caricia enamorada o unas palabras tan sabias como las de nuestro Cervantes:

“Es amor

un no sé qué
que viene
no sé por donde
que se va
no sé por qué.”

Al igual que un torrente de hermosos versos, Siete almas no da respuestas, pero enciende emociones.

No se la pierdan.

Tiro en la cabeza

2009-01-21T07:59:00.000-08:00

Hoy mismo se estrena en Zaragoza, gracias a su Filmoteca, Tiro en la cabeza, tercera película de Jaime Rosales. Como ya he dicho en alguna ocasión, Zaragoza es ciudad parca en estrenos interesantes. Uno puede ver Guerra de novias en todas las salas de nuestra ciudad, pero jamás podrá disfrutar, ni en tan solo una sala, de títulos como Inland Empire o JCVD.

Tras la magistral Las horas del día, Jaime Rosales rizó el rizo con La soledad, ganando los ansiados premios Goya. Si ya me gustó este “cineasta que va a la suya” con su primera película, terminó de enamorarme con La soledad, pues llegué a verla dos veces y casi de seguido. Creo que Rosales es una de las voces más libres y personales de nuestro panorama cinematográfico nacional, uno de esos autores de pura cepa, a los que les importa un bledo la viabilidad temática o estética de sus propuestas. A quienes todavía no hayan visto ni Las horas del día ni La soledad les invito a ello desde estas líneas, pues ambas gozan de ediciones en DVD. Quienes, como yo, no hayan podido disfrutar de Tiro en la cabeza, tienen oportunidad de hacerlo en los siguientes pases, si mi información no está equivocada:

Miércoles 21 de enero: 20 horas.
Jueves 22 de enero: 22 horas.
Viernes 22 de enero: 22 horas.
Sábado 23 de enero: 18 horas.

Por si alguien no lo sabe, la Filmoteca está ubicada en el Palacio de los Morlanes y la entradica tan solo cuesta dos euros. La sala deja bastante que desear, y en ocasiones la proyección, pero eso es harina de otro costal a la que, a su debido tiempo, dedicaré su espacio.

La vida por delante

2009-01-20T08:51:00.000-08:00

Se acerca ese momento en el cual tengo el enorme placer de conversar con Belén Vicente para todos ustedes y hete aquí que me encuentro en la disyuntiva. Tanto me gustó el libro de Alfredo Landa que ayer mismo recomendé en este blog que, lógicamente, estoy por volver a retrasar ese prometido especial acerca del cine de zombis.

Lo de la disyuntiva es algo que me gusta, pues siempre permite elegir: por la derecha o por la izquierda, dulce o salado, librico o peliculica… Lo de la elección es, siempre, una posibilidad maravillosa:

-¿Qué hacemos, nos quedamos aquí en casa o nos vamos al cine a ver Guerra de novias?

-¿Guerra de novias? ¿Y eso qué es? Mejor nos quedamos en casa viendo aquella de Fernán Gómez, sí, la de la pareja que se compra un piso y que no termina de salir adelante.

La vida por delante, película que hace tiempo homenajeara Antonio Muñoz Molina con uno de sus textos, tiene ya sus cincuenta añitos largos, pero cuenta casi los mismos problemas de la vida de hoy (esa que para muchos está siempre por delante, y que parece no llegar jamás, como una promesa de felicidad eternamente incumplida). La vida por delante es una elección perfecta para resolver la disyuntiva, para pasar cualquier tarde de la semana, sobre todo teniendo en cuenta que, en tanto en cuanto a otros asuntos se refiere, quizás, no se pueda elegir.

Alfredo el Grande

2009-01-19T09:01:00.000-08:00

Hay ocasiones en las que el cine resulta aburrido, pero que muy aburrido. Uno mira la cartelera, y nada de lo que se proyecta le convence. Pero, por fortuna, vive el “freaknéfilo” de muchos otros y maravillosos estimulantes, caso de los libros, que, en ocasiones, guardan evidente relación con el tema principal (que no único) de este blog de radiofónica filiación.

El pasado sábado, huyendo de las salas, me refugié en una librería y hete aquí que me encontré con nada más y nada menos que Alfredo Landa. No en persona sino en formato de papel. El libro en cuestión, sabiamente escrito por Marc Ordóñez (y luego explicaré el motivo) ya va por su segunda edición (y no me extraña). Su título es Alfredo el Grande: Landa lo cuenta todo.

Compré el libro y he de reconocer que lo leí durante una intensa tarde de domingo a lo largo de la cual mi novia me iba diciendo, de vez en cuando, que cuál era el motivo de no dejar tan abismada lectura. Pero, ¡caramba! ¿Dejarían ustedes colgando una conversación con un señor de la categoría de Alfredo Landa? Una de las singularidades de algunos libros es que sin duda son envidiables compañeros de tertulia. Leer Alfredo el Grande es como tomarte un café largo con el protagonista de títulos tan conocidos como No desearás al vecino del quinto, El crack o Los santos inocentes. La sabiduría de su escritor, Marc Ordóñez, radica en que se limita a transcribir lo que Landa recuerda de sus muchas y muchas vivencias, como si aquello fuera un monólogo delicioso, imitando su estilo conversacional. Poco a poco, el texto contesta a muchas de las preguntas que uno quisiera formular a Alfredo Landa.

Sus opiniones acerca del arte de la interpretación, divertidas (y no tan divertidas) anécdotas, ajustes de cuentas y demás zarandajas del discurrir de la vida intensa de uno de los actores más queridos del panorama cinematográfico español y, posiblemente, uno de los mejores actores del mundo (lo cual creo hemos defendido en alguna ocasión en nuestro programa).

Alfredo el Grande: Landa lo cuenta todo es un libro altamente recomendable. Pasa a engrosar, por méritos propios, la lista de biografías interesantísimas que, recientemente, se han ido publicando y que despejan incógnitas concernientes a cineastas tan nuestros como Jesús Franco, Luis García Berlanga o Pilar Miró.

Cortes sin cortes

2009-01-15T11:22:00.000-08:00

Personalmente, no me molestan en exceso los cortes publicitarios durante las películas. Sobre todo si ya las he disfrutado previamente en el cine y me han gustado, dado que los anuncios son una manera de demorar el placer, como si se saborea una esperada comida con lentitud. Además, los cortes publicitarios abren posibilidades tan maravillosas como preparar un café.

Algunas cadenas presumen de emitir películas sin cortes publicitarios, lo cual no deja de estar francamente bien, pues ya se sabe que el ritmo es una de las características de toda obra fílmica y autores de la talla de Federico Fellini aborrecían del pase de su obra a través de la televisión. Ahora bien, lo que resulta inconcebible es que se pase una película sin cortes publicitarios, por respetar la pureza de la obra, pero no se pase en su integridad. Ocurrió ayer mismo, con X-men 3. ¿Acaso no conocían los programadores de una conocida cadena que la última escena de la película tiene lugar tras los créditos finales? Quizás hubiera sido preferible poner algún que otro anuncio pero no mutilar despiadadamente la película. Qué se le va a hacer, es manía mía quedarme sentado en la butaca del cine hasta el final de la película, en ocasiones, hay sorpresas.

Quarantine

2009-01-12T11:06:00.000-08:00

El cine de miedo retorna en forma de, más que “remake”, hermano gemelo, con sus evidentes similitudes y singulares diferencias. Si el primer alumbramiento de este binomio oscuro fue bautizado como Rec, el segundo vástago obedece al nombre de Quarantine. Quizás lo más sencillo sería hacer una crítica al uso, utilizando el concepto de originalidad como rasero, pero estaríamos negando el festivo disfrute que esta réplica norteamericana produce durante su hora y media de duración. Si Rec es una estupenda película hecha por y para fans del género de terror, Quarantine puede interpretarse como una estupenda película hecha por y para fans de Rec y, por ende, también para fans del género de terror, de esos que estimamos una obra maestra como Psicosis pero tampoco nos tiramos de los pelos por su bastarda descendencia (y creo que van cuatro, si metemos en el saco el experimento de nuestro admirado Gus Van Sant). Nos nos engañemos, mientras esperamos el auténtico bombón que sin duda será Rec 2, lo de calmar la impaciencia con Quarantine es lo mejor que puede hacer todo buen “freaknéfilo” que se precie. La película se presta al entretenido juego de las diferencias y, si bien considero que es inferior al original hispánico (todo un clásico inmediato), sí que nos regala, a cambio de algo menos de humor, unas cuantas secuencias más de terror extremo. En Quarantine nos encontramos, ante todo, más zombis (y no solo humanos) y una mayor presencia de la terrible (y humana) amenaza exterior.

Si Rec tenía algo (y creo que tenía bastante) de video juego de horror en primera persona, Quarantine es como pasarse de nuevo toda la aventura, pero en un nivel de dificultad mayor. Obviamente, a pesar de que lo pasemos bien, no sorprende ni engancha tanto como la primera experiencia.

En resumidas cuentas, una película excelente que, sin lograr la fresca fuerza del original, aporta brillantes hallazgos al perturbador universo creado por Jaume Balagueró y Paco Plaza que John Erick Dowdle recrea con profesionalidad.

Mi nombre es Harvey Milk

2009-01-11T08:19:00.000-08:00

Y siguen llegándonos las películas con sabor a Óscar. Tras El intercambio (mi favorita, por el momento, junto con Gran Torino) nos llega la biográfica película del controvertido político Harvey Milk, con esa estética tan setentera (visualmente me recordó a Quadrophenia) que tan bien imita Gus Van Sant (al respecto de imitaciones, recuérdese su curiosa adaptación del clásico de Hitchcock: Psicosis).

Tras las herméticas, elegantes y sofisticadas Elephant, Last days y Paranoid Park (ésta última, aún inédita en España), Gus Van Sant retorna a un estilo de cine menos incómodo para el gran público, también menos personal, si bien no llega a los extremos de una de sus más populares y convencionales creaciones: El indomable Will Hunting. Si por algo Mi nombre es Harvey Milk puede resultar revulsiva (marca de fábrica del amigo Gus) no es por la perspectiva elegida a la hora de contar una historia (clave en títulos como los tres susodichos), sino más bien por la historia en sí y el tema, de rabiosa actualidad, que coloca sobre el tapete. Viendo Mi nombre es Harvey Milk, uno tiene la sensación de que las sociedades “avanzadas” siguen estancadas en el mismo debate dialéctico (y no dialéctico). Intolerancia frente a tolerancia. Quienes saben cuál es la verdad y quienes optan por abrazar su felicidad (quizás lo de equivocarse sea de sabios). Quienes creen estar en esa situación privilegiada que les permite guiar a la errada humanidad y quienes, desde la humildad (o incluso la humillación) no tienen a bien seguir esos marcados caminos. El bien, el mal, lo moral, lo inmoral, y, cómo no, ese sacro concepto de pecado son términos con siglos de tradición que, en ocasiones, sustentan segundas intenciones absolutamente falaces. Palabras que vertebran leyes que limitan la naturalidad de las cosas, envenenando la cordialidad de las relaciones humanas. Algunos tan solo pretenden reformularlas con el único propósito de mejorar el mundo, pero, como en el caso de Harvey Milk, acaban pagando sus imperdonables vicios, cuales, paradójicamente, mártires de la más ortodoxa tradición.

Sean Penn, como suele ser habitual en él, borda un papel que es perfecto para alzarse con la ansiada estatuilla, aunque, y este “freaknéfilo” sabe que es casi un sueño, me gustaría fuera entregada a Clint Eastwood por su papel en Gran Torino (si bien todos sabemos que sería premiar toda su carrera como actor).

Monsieur Du Welz

2009-01-09T08:18:00.000-08:00

Conocí a Fabrice du Welz en la última edición del festival de cine de Sitges. Había oído hablar muy bien de su primera película (Calvaire) y dichos comentarios habían despertado mi interés por Vinyan, su segundo largometraje, que se presentaba en dicho certamen. Sobre el escenario, Du Welz trató de parecer un tipo simpático, como si no quisiera tener que ver con esa imagen de creador europeo reflexivo y preocupado por el logro artístico antes que por su éxito y carrera económica. Escuchándole hablar, uno no se hacía a la idea del producto que el amigo Fabrice había facturado. Su rápido y simpaticón monólogo hubiera sido prefacio perfecto para Hostel 3 o Scream 12, pero no para el largometraje atmosférico y opresivo, casi carente de trama, en el que la mirada del cineasta da el toque de irrealidad preciso para que lo convencional adquiera la trascendencia de un poema malsano. La historia de una madre obsesionada por un hijo perdido tras la devastadora acción de un tsunami y su posterior búsqueda por la selva birmana es un mero pretexto para orquestar un alucinógeno descenso a los infiernos, con ritmo tan calmo como el del corazón a punto de pararse, ritmo del todo ajeno a productos cinematográficos más convencionales. Y es que la verdadera protagonista de Vinyan no es la por otra parte espléndida Emmanuelle Béart, sino esa floresta enigmática que Du Welz no se limita a fotografiar cual bello telón de fondo, sino que reconstruye a través de la magia de su cine dotándola de la fascinante fuerza de lo sublime. Vinyan no es una historia de horror al uso, como tampoco lo eran algunas de las películas gestadas por Luis Buñuel, Federico Fellini o Roman Polansky.

Hace pocos días retomé mi interés por este cineasta. Recuperé su película anterior y la vi de cabo a rabo con una sensación similar a la que me ocasionó el visionado de Oculto, la obra maestra de Michael Haneke. Una vez más, me encontré con un producto genérico totalmente distinto. Si bien algunos influjos son fácilmente rastreables, el curioso “freaknéfilo” que se anime a internarse en los tortuosos vericuetos que nos plantea monsieur Du Welz coincidirá conmigo en que Calvaire tiene personalidad propia, tal que Vinyan. De hecho, es como si ambas películas, a pesar de sus diferencias, formaran un enigmático díptico plagado de imágenes tan potentes como las del mejor cine de David Lynch, Lars von Trier o John Boorman.

Calvaire y Vinyan hablan de personajes que, a la búsqueda de algo, acaban perdidos en un perturbador cosmos tan identificable como ajeno. Un entorno que los terminará seduciendo, pues quizás el infierno no esté en los demás, sino que sean ellos mismos.

Lo poco es mucho

2009-01-08T08:37:00.000-08:00

¡Qué aburrida la temporada navideña cinematográfica! Tras la espléndida El intercambio, a este pobre “freaknéfilo” tan solo le ha quedado el consuelo de la nostalgia, viendo en televisión peliculones de los que amenizaban las turronescas fiestas años atrás: El Señor de los Anillos, Harry Potter... Acostumbrado a esperar los habituales estrenos de tan señaladas fechas me he tenido que conformar con títulos independientes como Estómago y casi he maldecido a los distribuidores de Quarentine, dado que la peliculita se estrena una vez finalizadas las vacaciones.

Sin duda, el momento más divertido de mis andanzas cinematográficas navideñas fue el trailer de Romanzo criminale, dado que los publicistas, en un alarde de cómica soberbia, han diseñado frases tan contundentes como “la película más importante desde El padrino, Scarface y Uno de los nuestros” (¡ahí es nada!). Sin embargo, a otros no les hace falta tanta fanfarria taxativa. Paseando, después de deleitarme con la mágica cabalgata real, por el pasaje Palafox (qué fantasmal lugar, por cierto) observé un cartel en el que destacaba un perfil (el de Clint Eastwood) y el título de su última película: Gran Torino.

A quienes ya han demostrado, con poco les sobra.